Объекты-беспокойства: дизайн как манифест внутреннего конфликта.
РУБРИКАТОР
1. Концепция. 2. Историко-теоретический контекст. 3. Форма как симптом: искажение, нестабильность, деформация. 4. Материальность тревоги: неприятное, раздражающее, хрупкое. 5. Цвет и свет как носители тревожности. 6. Инсталляции беспокойства: масштаб, атмосфера, вовлечение. 7. Заключение.
1. КОНЦЕПЦИЯ
Визуальная культура XXI века всё активнее обращается к темам тревоги, внутреннего раздвоения, нестабильности и неуверенности. Эти состояния отражаются не только в изобразительном искусстве, но и в дизайне, который, отказываясь от утилитарности и привычной красоты, превращается в способ выражения субъективного опыта. Особую группу здесь образуют так называемые «объекты-беспокойства» — вещи, вызывающие у зрителя не комфорт, а смущение, напряжение, странное ощущение «чего-то не так». Их формы и материалы вступают в конфликт с ожиданиями, провоцируя иррациональные реакции и внутренние образы. Именно этим типом объектов и занимается данное исследование.
«Объекты-беспокойства» — это не просто дизайнерские изделия с необычным внешним видом. Это визуальные манифесты, в которых зашифрованы психологические конфликты, личные переживания, критика социальной среды или попытка проговорить травматический опыт. Через разрушение симметрии, нарочитую хрупкость, агрессивную или раздражающую тактильность, эти вещи становятся чем-то большим, чем просто предметом — они приобретают черты послания, симптома или даже тела. Они работают не на уровне рационального понимания, а на уровне телесного, чувственного отклика.
Если классический модернизм стремился к гармонии и порядку, то иррациональный модернизм принимает разрыв, разлом, бессознательное как основу творческого акта. Он отказывается от идеи универсальной красоты, предпочитая ей многозначность, тревожность, неоднозначность. Объект становится тем, что не даёт покоя — визуальной фигурой внутренней борьбы.
В этой логике «объекты-беспокойства» могут быть рассмотрены как элементы дизайнерского языка, ориентированного на разрыв с привычным функционализмом, эстетикой «удобства», с идеей прозрачности формы. Они могут быть неудобны, угловаты, «слишком» личные или вызывающе непонятные. Их задача — не понравиться, а отозваться. В них дизайнер не конструирует форму для использования, а словно вживляет в неё фрагменты внутреннего состояния. Такой объект становится не только носителем формы, но и телом — и в этом смысле он вступает в контакт с телом зрителя или пользователя. Материальность, масштаб, звук, свет, даже запах — всё это может стать частью «сенсорного беспокойства».
При анализе мной будут рассмотрены работы таких авторов, как Ханс Белмер, Сальвадор Дали, Superstudio, Маартен Баас, Студия Drift, Линдси Мендис и Бетан Лаура Вуд, чьи объекты и инсталляции являются яркими примерами применения иррационального модернизма в дизайне и искусстве. Эти работы позволяют понять, как форма, текстура и материал становятся способами визуализации внутренних конфликтов, а сам объект — не просто утилитарной вещью, а выражением сложных эмоций и переживаний.
2. ИСТОРИКО-ТЕОРЕТИЧЕКИЙ КОНТЕКСТ
Иррациональный модернизм, как направление, возникшее в середине XX века, представляет собой отход от строгой рациональности и утилитарности классического модернизма.
В отличие от конструктивизма, который подчеркивает ясность формы, функциональность и универсальные ценности, иррациональный модернизм обращает внимание на разрыв, дисгармонию и бессознательные процессы. Этот подход стремится к выражению эмоциональной нестабильности, психологических травм и внутреннего разлада. Это движение связано с поисками новых форм, которые не стремятся к идеальному, а скорее отражают реальность человеческой жизни, полную противоречий, страха и фрагментации.
Основоположниками этого направления стали художники и дизайнеры, исследующие грани между реальностью и сновидением, осознанным и бессознательным. Работы Сальвадора Дали, Ханса Белмера и Superstudio служат ярким примером этого подхода, который рассматривает объект не как утилитарный элемент, а как носитель внутреннего мира, полного противоречий и тревоги.
Одним из основных теоретических оснований иррационального модернизма является влияние психоанализа Зигмунда Фрейда, особенно его концепции зловещего (unheimlich). Эта концепция, предложенная Фрейдом в 1919 году, исследует феномен чувства неуверенности и страха, которое возникает, когда привычные вещи кажутся странными или непривычными. В сюрреализме, как и в иррациональном модернизме, используется абсурд, искажение и восприятие реальности через призму подсознательных переживаний.
Сальвадор Дали, по моему мнению, является наиболее известным художником, который использует элементы сюрреализма для визуализации подсознательных тревог и страхов. В своих картинах, таких как «Постоянство памяти» (1931), он изображает мир, где время растворяется, а объекты теряют свою стабильность и смысл. Эти изображения не предлагают зрителю комфортной и логичной реальности, а наоборот, вводят его в состояние психологического дискомфорта, близкого к состоянию сна или кошмара.
«Постоянство памяти», 1931. Автор: Сальвадор Дали.
Вслед за сюрреалистами, Ханс Белмер также исследовал идеи абсурда и деформации тела, что стало неотъемлемой частью иррационального модернизма. Его работы, такие как «Куклы» (1934), представляют собой искажённые, фрагментированные формы человеческого тела, которые говорят о скрытых психологических состояниях и внутреннем конфликте. Белмер превращает тело в объект, который уже не ассоциируется с нормой, а с чем-то болезненно искажённым, что служит символом разрыва между реальностью и фантазией.
«Куклы», 1934. Автор: Ханс Белмер.
Superstudio, архитектурное и дизайнерское движение конца 1960-х годов, также сыграло ключевую роль в развитии иррационального модернизма. Эта группа дизайнеров и архитекторов отвергала привычные подходы к дизайну и архитектуре, стремясь к созданию утопических, но абсурдных объектов и пространств, которые нарушают традиционные представления о функциях и эстетике. В своих проектах, таких как «Continuous Monument» (1969), Superstudio использует масштаб и перформативность, чтобы вызывать у зрителя чувство дезориентации и подавленности.
«Continuous Monument», 1969. Автор: Superstudio.
Вместо того чтобы создавать удобные и функциональные пространства, их работы вызывают напряжение и страх, превращая пространство в поле для восприятия скрытых страхов и тревог.
Этот отказ от рациональности, визуальный и концептуальный разрыв с традициями — важная составляющая иррационального модернизма, который требует от зрителя не просто восприятия формы, а взаимодействия с эмоциями и психикой.
Иррациональный модернизм пересматривает идею рационального и утилитарного, предпочитая ей формы, которые выражают неосознанное, фрагментированное и тревожное восприятие реальности. Он отказывается от универсальной красоты и функциональности, вместо этого создавая объекты, которые становятся симптомами внутреннего разлада и борьбы, что делает их идеально подходящими для анализа в рамках визуальной культуры XXI века.
3. ФОРМА КАК СИМПТОМ: ИСКАЖЕНИЕ, НЕСТАБИЛЬНОСТЬ, ДЕФОРМАЦИЯ
Один из ключевых способов, с помощью которых дизайнеры и художники выражают внутренние конфликты и тревогу — это деформация формы.
Объекты, теряющие свою симметрию, пропорции, функциональную целостность, становятся метафорами для внутреннего раздора и нестабильности. Деформация не является случайностью, она сознательно нарушает привычный порядок и вызывает у зрителя чувство напряжения. Это ощущение тревоги усиливается, когда форма объекта утрачивает свою цельность, словно подвергаясь внутреннему разрушению.
Работы таких художников, как Ханс Белмер и Сальвадор Дали, демонстрируют, как искажение формы может быть инструментом для выражения психического или телесного конфликта. Белмер использует деформированные куклы, которые становятся визуальной метафорой внутренних страха и психического раздвоения. Дали же в своих картинах играет с восприятием времени и пространства, деформируя привычные объекты, чтобы создать ощущение нестабильности и иррациональности.
«Куклы», 1934. Автор: Ханс Белмер.
Работы Белмера с деформированными фигурами — это не просто изображения кукольных тел, это метафоры телесной тревоги и психологического разрыва. Его куклы с частично разрушенной анатомией становятся символом внутреннего конфликта и бессознательных страхов. Белмер играет с нарушением пропорций, неестественным соединением частей тела, что вызывает у зрителя дискомфорт и погружает в мир, где контроль над телом утрачивается.
«Куклы», 1934. Автор: Ханс Белмер.
Ещё одним важным аспектом деформации формы является её способность вызывать не только визуальный, но и физический отклик у зрителя. Например, объекты с искривленными линиями, несимметричными пропорциями или острыми углами вызывают чувство неловкости и неудобства. Это чувство возникает не потому, что объект плох или неудачен, а потому, что его форма нарушает привычные ожидания.
Баас создает стулья, которые выглядят как будто они изначально были сформированы вручную из глины. Эти стулья не просто нарушают привычное восприятие функциональной мебели, но и вызывают ощущение нестабильности — как будто они вот-вот разрушатся под тяжестью тела. Баас использует форму как способ визуализировать нестабильность и хрупкость человеческого опыта, что идеально подходит для концепции «объектов-беспокойства».
«Глиняные стулья», 2006. Автор: Маартен Баас.
Таким образом, деформация формы становится не только визуальной характеристикой, но и способом выражения внутренней борьбы и психологического напряжения. Объекты с нарушенной целостностью не просто не соответствуют функциональным ожиданиям, но и становятся метафорами для более глубоких, скрытых переживаний. Они подрывают привычную логику и требуют от зрителя эмоционального вовлечения, заставляя чувствовать, а не просто понимать.
4. МАТЕРИАЛЬНОСТЬ ТРЕВОГИ: НЕПРИЯТНОЕ, РАЗДРАЖАЮЩЕЕ, ХРУПКОЕ
Если форма объекта отвечает за визуальный жест, то материал — за телесную реакцию. Через него дизайнер может вызвать желание прикоснуться, отстраниться, сжаться от отвращения или, наоборот, задержаться взглядом на тревожной неоднозначности поверхности. Материальность — это способ говорить с телом зрителя. И в контексте объектов-беспокойства она становится особенно важной: именно она провоцирует ощущение хрупкости, дискомфорта или даже страха.
Непривычные материалы или их сочетания (шерсть и металл, воск и стекло, человеческие волосы и глина) могут вызывать тревогу не только на уровне тактильного воображения, но и на уровне культурной памяти. Человек подсознательно «считывает» что-то тревожное в этих предметах, даже не прикасаясь. Это связано с тем, что наше восприятие материалов связано с телесной безопасностью: холодное, липкое, колючее, крошащееся — всё это воспринимается как потенциальная угроза.
«Внутри волос», 2014. Линдси Мендис.
В проекте «Hairy on the Inside» Линдси Мендис использует волосы и фарфор для создания сосудов, которые одновременно привлекают и отталкивают. Эти объекты на грани визуального и тактильного дискомфорта становятся символами интимности и уязвимости. Использование настоящих волос, с их физиологическим и культурным значением, усиливает эффект отвращения и тревоги, поскольку зритель сталкивается с чем-то живым и неестественным одновременно.
«Розовые звери», 2019. Автор: Фернандо Лапоссе.
Работы Фернандо Лапоссе представляют собой объекты, выполненные из резины и металла, напоминающие внутренности человеческого тела. Эти гибкие и плотные формы вызывают странное чувство неестественности и отторжения, но в то же время их неординарная текстура привлекает внимание и заставляет зрителя взаимодействовать с объектом через его тактильные и визуальные характеристики.
Хрупкость — ещё один способ выразить тревогу. Объекты, сделанные из легко разрушающихся материалов, становятся метафорами уязвимости. В них отсутствует прочность как гарантия безопасности. Они кажутся временными, сиюминутными, как эмоции, которые не удается зафиксировать.
Эта уязвимость особенно сильно ощущается в дизайне, где объект теряет свою первоначальную цельность и становится прикосновением к страху и разрушению.
Таким образом, материал становится не только функциональной составляющей, но и важным элементом для создания эмоциональной реакции у зрителя. В контексте тревожного дизайна, каждый материал, каждый его выбор становится не просто строительным элементом, а фактом, который не даёт покоя и заставляет тело реагировать. Через тактильные ощущения, ассоциации и подсознательные связи с культурными и эмоциональными образами, объект становится не просто предметом, а переживанием.
5. ЦВЕТ И СВЕТ КАК НОСИТЕЛИ ТРЕВОЖНОСТИ
Если форма и материал вызывают реакцию на уровне восприятия объекта как целого, то цвет и свет играют важнейшую роль в формировании атмосферы.
Через них дизайнер может управлять подсознательными ощущениями: вызвать тревогу, дезориентацию, чувство подавленности или иррационального беспокойства. Эти элементы становятся ключевыми выразительными средствами в создании объектов, направленных на создание психологического напряжения и эмоциональных откликов.
Цвет традиционно связывается с эмоциями. В дизайне объектов тревожности часто используются кислотные, ядовитые, неестественные оттенки, а также странные, «болезненные» комбинации — жёлтый с серым, сине-розовый, неоновые градиенты. Эти цвета создают эффект напряжения не за счёт яркости, а за счёт визуального диссонанса. Они нарушают привычные культурные коды и создают у зрителя внутренний конфликт.
«Во время ночи» — это одна из самых известных инсталляций Джеймса Таррелла, в которой он использует свет, чтобы полностью изменить восприятие пространства. В этой работе зритель погружается в тёмное пространство, где свет создает иллюзию пространства, времени и восприятия реальности, буквально преобразуя привычную обстановку. Таррелл управляет светом так, чтобы зритель не только видел объекты, но и ощущал их эмоциональное и психологическое воздействие.
«Во время ночи», 2001. Автор: Джеймс Таррелл.
Инсталляция имеет глубокий символизм: её название само по себе создает ассоциации с ночной тишиной и неизведанным, что вызывает чувство неопределённости и внутреннего беспокойства. С помощью мягких переходов света и темных пространств Таррелл манипулирует восприятием зрителя, создавая эффект поглощения и снижения осознания окружающего мира. Это пространство становится местом, где границы между внутренним и внешним миром стираются, и зритель становится частью самого процесса восприятия.
Свет в этой инсталляции не только освещает пространство, но и формирует его, создавая атмосферу, в которой зритель ощущает неспокойство, размытость и неопределённость. Он оказывается в пространстве, где нет привычных ориентиров — ни яркого света, ни полной тьмы. Это порождает уникальное чувство психологической нестабильности, делая инсталляцию ярким примером использования света для создания эмоциональной тревоги.
«Двойное зрение глаз» — это работа, в которой световые эффекты и искажённые визуальные восприятия играют ключевую роль. В этой инсталляции зритель сталкивается с двоящимся, гиперреалистичным изображением, где форма глаза и его восприятие находятся в стабильной нестабильности. Элиассон использует эффекты цвета и света, чтобы создать изображение, которое кажется одновременно реальным и искажённым, вызывая у зрителя чувство неопределённости и психологической нестабильности.
«Двойное зрение глаз», 2004. Автор: Олафур Элиассон
Работа затрагивает важные аспекты тревожных объектов: она нарушает привычное восприятие и вызывает тревогу, заставляя зрителя сомневаться в своих визуальных ощущениях. Элиассон использует метафору глаза — органа, который ассоциируется с восприятием и анализом мира — и размывает его нормальные функции, заставляя зрителя испытать ощущения, похожие на психологическую дезориентацию. Эти искажённые формы восприятия показывают, как не только объекты, но и восприятие реальности может стать источником беспокойства.
«Хрупкое будущее», 2008. Автор: Студия Drift.
Проект «Хрупкое будущее» от Студии Drift использует неоновые огоньки и живые цветы, заключённые в стеклянные сосуды, чтобы создать незавершённую гармонию и неустойчивость. Цветы, создающие ощущение естественности, сталкиваются с неоновым светом, что усиливает тревожное восприятие. Это сочетание живого и искусственного, цвета и света вызывает ощущение, что предметы находятся на грани разрушения.
«Хрупкое будущее», 2008. Автор: Студия Drift.
Цвет и свет в этих проектах не только привлекают взгляд, но и создают эмоциональную напряженность, которая заставляет зрителя чувствовать беспокойство и дискомфорт. Они не позволяют объекту оставаться нейтральным, а вовлекают в процесс восприятия, провоцируя психологическую реакцию.
6. ИНСТАЛЛЯЦИИ БЕСПОКОЙСТВА: МАСШТАБ, АТМОСФЕРА, ВОВЛЕЧЕНИЕ
Инсталляции беспокойства играют важную роль в создании пространств, которые не только визуально захватывают, но и психологически вовлекают зрителя. Масштаб, свет и окружающая атмосфера этих произведений воздействуют на восприятие и провоцируют эмоциональные отклики, такие как тревога, дезориентация и беспокойство. В отличие от традиционных форм искусства, инсталляции требуют от зрителя не только наблюдения, но и участия в переживаемом опыте, вовлекая его в процесс взаимодействия с пространством и его элементами.
«Проект погоды», 2003. Автор: Олафур Элиассон.
«Проект погоды», 2003. Автор: Олафур Элиассон.
«Проект погоды» Олафура Элиассона, представленная в Тейт Модерн, — это одна из самых известных инсталляций современности, которая использует свет и атмосферу для создания ощущения неопределённости и психологического воздействия на зрителя. Центральный элемент работы — искусственное солнце, которое воссоздаёт атмосферу природного света, но с элементами неестественности. Большое пространство, наполненное туманом и насыщенным золотистым светом, создаёт эффект, в котором зритель теряет чувство времени и пространства, ощущая себя маленьким и беззащитным в этом огромном искусственном мире. Эта инсталляция вызывает у зрителей чувство сущности атмосферных явлений, что не оставляет их равнодушными.
«Ганцфельд», 1973–настоящее время. Автор: Джеймс Таррелл.
«Ганцфельд», 1973–настоящее время. Автор: Джеймс Таррелл.
В инсталляции «Ганцфельд» Джеймс Таррелл использует световые эффекты, которые поглощают зрителя, создавая психологическую дезориентацию. В этих работах зритель оказывается в пустом пространстве, где яркий монохромный свет заливает всю окружающую среду, лишая зрителя визуальных ориентиров. Это создает эффект потери связи с реальностью, что вызывает у зрителя чувство тревоги и неопределённости. Таррелл мастерски использует масштаб и освещённость для того, чтобы у зрителя возникла иллюзия нахождения в «бескрайнем» пространстве, где пространство и время теряют свои привычные границы.
Инсталляции этих авторов создают такие пространства, которые не просто визуально красивы, а становятся частью внутреннего переживания зрителя. Эти работы вовлекают его в переживание внутреннего беспокойства через манипуляцию масштабом, светом и атмосферой. Зритель становится не просто наблюдателем, а активным участником в процессе восприятия.
7. ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Объекты-беспокойства, созданные через взаимодействие с формой, материалами, светом и пространством, играют важную роль в современном искусстве и дизайне, трансформируя эти элементы в средства выражения тревоги и внутреннего конфликта. В отличие от традиционного дизайна, который ориентирован на функциональность и эстетическую гармонию, объекты, использующие элементы нестабильности и искажения, создают пространство для эмоционального и психологического вовлечения зрителя. Эти работы способны не только нарушить восприятие реальности, но и вызвать у зрителя внутренние переживания, заставляя его задуматься о собственных страхах, тревогах и эмоциях.
Ключевой вопрос исследования заключался в том, как объекты и инсталляции в современном искусстве используют элементы тревоги и внутреннего конфликта для формирования нового типа взаимодействия с зрителем. Ответ на этот вопрос подтверждает, что такие объекты не ограничиваются простым визуальным восприятием, а становятся источниками эмоционального отклика, что делает их важным инструментом в психоэмоциональном восприятии искусства. Эти объекты могут быть терапевтическими, поскольку они позволяют зрителю осознать и пережить свои внутренние переживания, но также могут быть и провокационными, нарушая привычные рамки и вызывая психологический дискомфорт.
Современные работы, такие как инсталляции Олафура Элиассона и Джеймса Таррелла, используют свет, пространство и масштаб как основные инструменты для создания эмоционального напряжения, а также для вовлечения зрителя в процесс восприятия. В таких инсталляциях пространство перестает быть просто фоном для наблюдения, а становится активным участником переживания, что вызывает неопределенность и тревогу, а иногда и ощущение потери контроля.
Таким образом, гипотеза исследования, утверждающая, что объекты-беспокойства отражают и формируют внутренний конфликт зрителя, поддерживается через анализ использования элементов нестабильности и тревоги в дизайне. Эти объекты не только нарушают восприятие пространства, но и становятся своеобразным инструментом взаимодействия с подсознанием, создавая условия для глубокой рефлексии и осознания собственных внутренних переживаний.
Рассмотренные работы показывают, что современный дизайн и искусство перестают быть просто эстетическими объектами, превращаясь в платформы для эмоциональной трансформации. Через такие работы зритель не только сталкивается с визуальными и тактильными переживаниями, но и может начать осознавать и переработать свои внутренние страхи и беспокойства, что делает объекты-беспокойства важным элементом современного искусства и дизайна.
Что такое «зловещее»? Анализ понятия по Фрейду // B17 // URL: https://www.b17.ru/article/56547/ (дата обращения: 13.05.2025)
Зигмунд Фрейд. Зловещее (Das Unheimliche, 1919) // FreudProject.ru // URL: https://freudproject.ru/?p=723 (дата обращения: 13.05.2025)
Freud, Sigmund. Das Unheimliche (1919) // University of Toronto, Department of Germanic Languages & Literatures // URL: https://german.utoronto.ca/wp-content/uploads/bsk-pdf-manager/233_FREUD-DAS_UNHEIMLICHE_(1919).PDF (дата обращения: 13.05.2025)
Ханс Белмер. Куклы // Syllektis // URL: https://syllektis.livejournal.com/40445.html (дата обращения: 13.05.2025)
Superstudio. Continuous Monument // Cristiano Toraldo di Francia // URL: https://www.cristianotoraldodifrancia.it/continuous-monument/ (дата обращения: 13.05.2025)
Маартен Баас. Clay Chairs // Carpenters Workshop Gallery // URL: https://carpentersworkshopgallery.com/shop/furniture/clay-chairs/ (дата обращения: 13.05.2025)
Студия Tjep. «Bronze Age Furniture» // Ion Construction // URL: https://www.ion-construction.com/post/2015/08/23/bronze-age-furniture (дата обращения: 13.05.2025)
Линдси Мендис. «Hairy on the Inside» // Cooke Latham Gallery // URL: https://www.cookelathamgallery.com/exhibitions/7-lindsey-mendick-hairy-on-the-inside/overview/ (дата обращения: 13.05.2025)
Studio Drift. «Fragile Future» // Studio Drift // URL: https://studiodrift.com/work/fragile-future/ (дата обращения: 13.05.2025)
Фернандо Лапоссе. «Pink Beasts: An Agave Fiber Project to Drive Awareness», 2019. // Eclectic Trends // URL: https://www.eclectictrends.com/pink-beasts-an-agave-fiber-project-to-drive-awareness-by-fernando-laposse/ (дата обращения: 15.05.2025)
Фернандо Лапоссе. «Pink Beasts» на Design Miami, 2019. // Circu // URL: https://www.circu.net/inspirations/inspirations/design-miami-2019-fernando-laposses-pink-beasts (дата обращения: 15.05.2025)
Фернандо Лапоссе. «Pink Beasts» на Design Miami, 2019. // The Decorating Diva // URL: https://thedecoratingdiva.com/pink-beasts-by-fernando-lapasse-at-design-miami-2019/ (дата обращения: 15.05.2025)
Олафур Элиассон. «Работы 2004 года». // Олафур Элиассон // URL: https://olafureliasson.net/artworks/year/2004 (дата обращения: 15.05.2025)
«Куклы», 1934. Фотограф: Ханс Белмер. // URL: https://img-fotki.yandex.ru/get/4123/174798681.4/0_a60c9_e7b7b3a2_XXL.jpg (дата обращения: 14.05.2025)
«Куклы», 1934. Фотограф: Ханс Белмер. // URL: https://img-fotki.yandex.ru/get/4121/174798681.4/0_a60c3_4d071ddb_XXL.jpg (дата обращения: 14.05.2025)
«Continuous Monument», 1969. Фотограф: Superstudio. // URL: https://www.cristianotoraldodifrancia.it/wordpress/wp-content/uploads/superstudio/24.jpg (дата обращения: 13.05.2025)
«Continuous Monument», 1969. Фотограф: Superstudio. // URL: https://www.cristianotoraldodifrancia.it/wordpress/wp-content/uploads/superstudio/23.jpg (дата обращения: 13.05.2025)
«Внутри волос» (Hairy on the Inside), 2014. Фотограф: Линдси Мендис. // URL: https://images.squarespace-cdn.com/content/v1/52862497e4b091660c94e972/1624400506038-D7TVECOHCTXJQT5W1CA3/cooke_+60.jpg?format=1500w (дата обращения: 13.05.2025)
«Хрупкое будущее», 2008. Автор: Студия Drift. // URL: https://studiodrift.com/work/fragile-future/ (дата обращения: 13.05.2025)
«Постоянство памяти», 1931. Автор: Сальвадор Дали. // URL: https://ru.wikipedia.org/wiki/Файл: The_Persistence_of_Memory.jpg (дата обращения: 13.05.2025)
«Куклы», 1934. Автор: Ханс Белмер. // URL: https://www.wikiart.org/en/hans-bellmer/the-doll-1934-4 (дата обращения: 13.05.2025)
«Куклы», 1934. Автор: Ханс Белмер. // URL: https://www.wikiart.org/en/hans-bellmer/the-doll-1934-7 (дата обращения: 13.05.2025)
«Куклы», 1934. Автор: Ханс Белмер. // URL: https://www.wikiart.org/en/hans-bellmer/the-doll-1934 (дата обращения: 13.05.2025)
«Куклы», 1934. Автор: Ханс Белмер. // URL: https://www.wikiart.org/en/hans-bellmer/the-doll-1934-2 (дата обращения: 13.05.2025)
«Глиняные стулья», современная. Автор: Маартен Баас. // URL: https://www.1stdibs.com/furniture/seating/benches/contemporary-clay-bench-maarten-baas/id-f_25306812/ (дата обращения: 15.05.2025)
«Pink Beasts», 2019. Автор: Фернандо Лапоссе. // URL: https://www.circu.net/inspirations/inspirations/design-miami-2019-fernando-laposses-pink-beasts (дата обращения: 15.05.2025)
«Pink Beasts», 2019. Автор: Фернандо Лапоссе. // URL: https://thedecoratingdiva.com/pink-beasts-by-fernando-lapasse-at-design-miami-2019/ (дата обращения: 15.05.2025)
«Двойное зрение: глаз», 2004. Автор: Олафур Элиассон. // URL: https://olafureliasson.net/artwork/double-vision-eyeball-2004/ (дата обращения: 15.05.2025)
«Ганцфельд», 1973–настоящее время. Автор: Джеймс Таррелл. // URL: https://publicdelivery.org/james-turrell-ganzfelds/ (дата обращения: 15.05.2025)
«Небо», с 1970-х годов. Автор: Джеймс Таррелл. // Pomona College Museum of Art // URL: https://www.pomona.edu/museum/collections/james-turrell-skyspace (дата обращения: 15.05.2025)
