Исследование творчества Александра Косолапова

1. Концепция исследования

2. Стиль художника и его знаковые работы


3. Творчество 90-х годов

4. Творчество 00-х годов


5. Творчество 10-х годов

6. Заключение


7. Источники

Визуальное исследование посвящено творчеству Александра Семёновича Косолапова — советского и российского художника, графика и скульптора. 



В графическом и коммуникационном дизайне крайне важно умело совмещать уже существующие образы и выводить из них новые яркие смыслы, которые будут легко считываться и запоминаться аудиторией. Анализ творчества А. Косолапова позволяет изучить авторские подходы к разработке узнаваемых сюжетов и «мемов» на стыке массовой культуры, символов советской эпохи, авангарда и культа потребления.



Косолапов окончил Строгановское художественно-промышленное училище в Москве в 1968 году. Его творческая деятельность началась в 70-е года XX века и была посвящена соц-арту — направлению постмодернистского искусства, в котором по аналогии с поп-артом отражается пародия на образы советской массовой культуры.



Несмотря на то, что возникновение соц-арта принято связывать с именами Виталия Комара и Александра Меламида, а также с их дуэтом «Комар и Меламид», который просуществовал до 2003 года, именно Александр Косолапов продолжил работу в рамках соц-арта с наступлением XXI века и стал одной из ключевых фигур этого направления.

После эмиграции в США в 1975 году Александр Косолапов начал стремительное развитие в качестве пионера соц-арта, скрещивая в своих работах визуальные коды двух систем, к каждой из которых он смог прикоснуться.

Сейчас работы художника находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Музея современного искусства в Нью-Йорке и других.



Также Александр Косолапов проводит персональные выставки и регулярно участвует в групповых. За последние 7 лет художник провел 2 выставки в России. «Александр Косолапов. Ленин и Кока-кола» была организована в 2017 году в Московском музее современного искусства. А в 2021 году на площадке «Cube.Mosсow» под руководством Эльвиры Тарноградской прошла выставка «DTM. ДЮШАН ТАТЛИН МАЛЕВИЧ». 
 Цель исследования: Определить формулы и техники, которые использует художник; Выделить ключевых авторов, на творчество которых Александр Косолапов ссылается в своих работах; Выделить ключевые образы, с которыми работает художник; На базе исследованных работ убедиться в наличии или отсутствии собственного уникального стиля Косолапова, а также сформулировать его особенности.

Гипотеза исследования: Александр Косолапов сформировал свой собственный подход к созданию работ, который основан на совмещении различных культурных кодов, символов, знаков, относящихся, как правило, к противоположным идеологическим системам или течениям в искусстве. Его переезд в Америку в 1975 году стал отправной точкой для развития этого способа под названием «сближение дальних».

В основе стиля художника лежит объединение символов советской и западной идеологии в ироничной форме, их новая интерпретация в симбиозе, а также проведение параллелей между российским и американским обществом через различные культурные коды.

После эмиграции в США Косолапов обнаружил, что носители обеих идеологий высказывали определенный протест в отношении тех ценностей, которые транслировала американская и советская власть.



Несмотря на разницу в ценностях, государства использовали практически идентичные методы пропаганды, основанные на утопических идеях. И если в одном случае обывателю была предложена «американская мечта», то в другом — «светлое коммунистическое будущее».



Размышления на эту тему стали основой для многих ключевых работ Александра Косолапова и позволили сформировать уникальный стиль, базирующийся на контрасте и одновременном подобие двух идеологий.

«Malevich» — одна из самых известных работ художника, в основе которой формула «американский бренд» + «символ коммунизма» = «сближение дальних».


Здесь сигареты Marlboro транслируют идею американской мечты, образ уверенного ковбоя, который с легкостью держится в седле. Более того, упаковка становится символом практически недоступного продукта потребления для советского человека.



А Малевич становится культурным героем самого художника. Его фамилию он аккуратно интегрирует в упаковку. И теперь он уже не просто герой, но и бренд, оформленный соответствующим шрифтом. Такой же, как и престижный бренд художников русского авангарда на Западе.

Получается яркое взаимодействие двух идеологических символов через отсылку к статусному и недоступному потреблению, стремление к которому характерно для двух идеологий.

Продолжая работу над игрой различных культурных кодов, Косолапов приходит к идее «псевдорекламы», в которой Владимир Ленин, будучи вождем пролетариата, обращается к обществу и продвигает исконно американский напиток Coca-Cola.

В работе «Lenin-Coca-Cola» автор как бы иронизирует над самой сутью рекламы и агитации — предложить потенциальному потребителю воображаемый, но в то же время столь желанный образ. Он заявляет одновременно и про американский, и про советский «рай»: «It’s the real thing».

Взаимодействие советских и американских кодовых знаков в данной работе приводит к восприятию Москвы, чей образ размещен по центру, как города из американских комиксов. Вот-вот появится супергерой и с помощью конституции восстановит порядок и справедливость в столице.

Изображение портрета Горбачева дополняет композицию, отсылая зрителя не столько к геройским комиксам, как эмблема Бэтмена, сколько к манере Уорхола. Это добавляет работе ироничный подтекст. И если первые 2 части триптиха можно отнести к разным идеологиям и противопоставить, то финальная точка в виде портрета советского лидера становится квинтэссенцией метода Косолапова в виде радикального совмещения узнаваемых символов.

С явной отсылкой к поп-арту, Александр Косолапов изображает Михаила Горбачева в стиле портрета Мао Цзэдуна, созданного Энди Уорхолом в 1972 году.

Получается интересная аналогия: как Уорхол изображает портрет Мао Цзэдуна с макияжем и в «китчевых» цветах, скрещивая западную и восточную культуру, так и Косолапов этим же приемом пробует возвести Горбачева в статус поп-звезды.


Повторение портрета в различных цветовых вариациях говорит зрителю о тиражируемости. Такой прием подчеркивает превращение публичного имиджа в целый бренд, который может разительно отличаться от реальной личности. Это равно относится и к портрету Мэрилин Монро 1962 года за авторством Уорхола, и к портрету Мао Цзэдуна, и к серии «GORBY-MAO».

В этой работе Александр Косолапов продолжает развитие своего метода, рассуждая о роли идеологических советских плакатов и американских рекламных плакатов. Он совмещает коммерческое общество потребления в лице логотипа McDonald’s и символ советской идеологии в виде профиля Владимира Ленина.

В результате мы видим рекламную вывеску, которая обращается к одним и тем же манипулятивным техникам, несмотря на принадлежность визуальных кодов к разным системам.

Красный цвет одинаково важен для двух образов, поэтому становится точкой их соприкосновения, а фраза «Next Block» сообщает в первую очередь советскому человеку, что новшества и перемены в стране уже совсем рядом, а два полярных мира вот-вот объединятся.

«Штампуя» банки с черной икрой в красном цвете, Александр Косолапов вновь цитирует Энди Уорохола в работе, созданной специально для персональной выставки в 2000 году в США.

Отсылка на бренд томатного супа «Кэмпбелл», как символом капитализма и культуры потребления, позволяет Косолапову иронизировать над образом черной икры: она напрямую ассоциируется у западного обывателя с артефактами Советского Союза, однако преимущественно идет на экспорт и оказывается недоступной для простых граждан.

Таким образом, получается яркое высказывание о продукте, для которого одновременно характерна тиражируемость (но для экспорта) и ограниченность (доступен для лиц, наделенных властью и деньгами).

Продолжая работу над линейкой «Caviar», Косолапов создает полотно, в котором увеличивает силу советского и российского образа с помощью гимнастки-балерины, расположенной в центре композиции.

Художник возводит в абсолют ореол недоступности и желанности, который характерен для данного продукта.

Из точечных ассоциаций и кодов картина превращается в целостный плакат, где образ обнаженной балерины в сочетании с надписью «Caviar», набранной гротескной типографикой, отсылает нас к рекламной кампании на Таймс-сквер.

В данной работе художник цитирует свое более раннее произведение.
Косолапов разбирает феномен «Коктейля для Молотова», который в ходе событий Советско-финляндской войны стал символом партизанской войны и движения за освобождение.


В работе надпись «Molotov» представляет собой образ советской власти конца 80-х годов, а бутылка Coca-Cola, которая вскоре будет брошена, является своеобразным активатором изменений, который запустит процесс глобализации.

Здесь Александр Косолапов размышляет о проникновении западных ценностей и культурных кодов в постсоветское пространство.

Американский Микки Маус оказывается в России и на удивление органично смотрится рядом с «русской березкой». Так, будто это персонаж из советского мультфильма.

Свойственная Косолапову ирония здесь заключается в том, что несмотря на общий стиль зарисовки и сочетание образа Микки с необъятными просторами России, внимательный зритель заметит следы мусор на поле в виде пачки сигарет Marlboro и банки Coca-Cola.

Что это: последствия глобализации в виде испорченного постсоветского пейзажа или незначительные американские артефакты, которые, как и Микки, органично вписываются в пейзаж? Художник оставляет зрителя один на один с подобными вопросами.

Образование скульптора-монументалиста позволило Косолапову развить его подход к искусству в том числе в скульптурах.

При поверхностном взгляде на работу «Микки и Минни. Рабочий и колхозница» зритель испытывает абсурд и недоумение от соединения настолько противоположных друг-другу культурных символов.
Но при дальнейшем изучении приходит осознание, что созданные художником противоестественные персонажи — это идеальная коллаборация двух систем, объединенных идентичным подходом к пропаганде.

И с теми, кого идеология решила сделать народными героями или символами «фальшивого образа рая на земле», ничего не поделать, ничего не изменить. Так же, как ничего не поделать с припаянной к телу рабочего головой Микки.

Исследуя наследие советской эпохи, Арт-группировка «ЗИП» работает над тем же образом «Рабочего и колхозницы» вслед за Косолаповым.
Однако если Александр Косолапов транслирует идею общности двух систем, то группировка «ЗИП» сообщает о снижении значимости идеологической роли монумента за счет деревянной конструкции и тонкого основания.

Работа как бы опровергает предыдущий тезис: идеологические символы и герои все-таки поддаются изменению, особенно сильно в контексте разрушения идеологических систем и их дальнейшего переосмысления.

«Однажды я увидел на улице игрушечную головку Микки-Мауса, пришел домой и надел на бюст Ленина, который стоял у меня дома, и они точно совпали. Так появилась идея Миккиленина». — Александр Косолапов.

Источник цитаты: Александр Косолапов: «Ай Вэйвэй использовал мою идею с Coca-Сola» // ARTANDHOUSE URL: http://art-and-houses.ru/2017/12/02/aleksandr-kosolapov-aj-vejvej-ispolzoval-moyu-ideyu-s-coca-sola/ (дата обращения: 19.05.2024).

Совмещая Микки Мауса с постаментом, созданным Казимиром Малевичем, и советским лидером в лице Владимира Ленина, Александр Косолапов вписывает советские монументы в новую реальность 2000-х годов.

Скульптура прощается с одной культурной, социальной, экономической и политической средой и приветствует другую — глобальную и постмодернистскую.

Время от времени Александр Косолапов обращается в своих работах к теме религии, ее положению и значимости в эпоху постмодерна.

В работе «HERO, LEADER, GOD» автор изображает шествие трех персонажей, олицетворяющих тот или иной культ. Косолапов приравнивает религиозное течение к идеологии, размышляя уже не только об общих чертах капитализма и коммунизма, но и об их тождественности христианству.


В то же время, автор оставляет открытым вопрос о том, кто есть кто: все персонажи одновременно «Герой, Лидер, Бог» или для каждого из них свое обозначение?

Для творчества Косолапова 10-х годов так же характерно обращение к скульптуре.

В рамках выставки «DTM» художник выводит формулу «Дюшан — Татлин — Малевич», в которой меняет переменные местами и организует взаимодействие различных идеологий и направлений в искусстве.

В серии скульптур с девушками-гимнастками художник совмещает визуальные коды тоталитаризма и авангарда.



По словам Александра Косолапова, девушки являются отсылкой на работы Родченко, в которых гимнастки принимают участие в спортивных парадах на Красной площади. А жест их ног становится своеобразной рамкой, через призму которой можно интерпретировать новое искусство.

Работы, представленные на выставке «DTM», становятся не просто самостоятельными высказываниями, но образуют целостные композиции в пространстве павильона.

Используя фигуры-отсылки на работу Дюшана «Женский фиговый листок» с надписями «Riot» и «Submissive», Александр Косолапов рассуждает о соотношении «бунта» и «покорности» в контексте протестных движений в мире.

Шахматная доска становится как полем для противостояния этих двух категорий, так и еще одной ассоциацией с Марселем Дюшаном, который в начале 1920-х годов посвятил себя шахматам.

Еще одна работа на выставке обращается преимущественно к поп-арту и уличному искусству. 



Через череп, вставленный в слово «Love», Александр Косолапов делает оммаж на творчество Энди Уорхола и жанр живописи эпохи барокко под названием «Vanitas», где центральным элементом является какой-либо атрибут смерти и бренности человеческой жизни.

В свою очередь, манера написания схожа с граффити и работами британского художника Бэнкси: дерзкая, живая, уличная и остросоциальная, она противопоставляется центральному символу и «вечным» темам.

Косолапов нередко обращается к логотипу McDonald’s в своем творчестве.

В представленной работе он совмещает символ капитализма и культуры потребления с «Розовой обнаженной» из картины Анри Матисса.
Два совершенно разных образа удивительным образом органично сочетаются благодаря формам тела и формам самого логотипа.

«Создается культурный конгломерат между культурой и потреблением. Искусство не должно заноситься слишком высоко, потому что потребительский момент так же равен в каком-то смысле социальному процессу. Это некая манифестация того мира, в котором я обитаю» — Александр Косолапов.

Источник цитаты: В Cube Moscow готовят персональную выставку Александра Косолапова // Smotrim.ru URL: https://smotrim.ru/article/2510817 (дата обращения: 20.05.2024).

Работы художника не ограничиваются скульптурами и экспозициями. Влияние американской поп-культуры привело художника к сценарию, когда он сам — объект искусства.

С целью реакции на американского «черного лебедя» в виде движения «Black Lives Matter», Косолапов обыгрывает рекламный слоган «What’s wrong with my skin», который он случайно увидел на одной из разбитых витрин Нью-Йорка.

На фоне протестов и лозунгов художник воспринял вопрос так, будто он адресован лично ему: «И я купил тогда чёрный косметический крем, вымазал полностью лицо и сделал селфи. Из этого фото и появился мой „цветной“ автопортрет с рекламным текстом. Новый контекст рекламной фразы» — Александр Косолапов.

Источник цитаты: Александр Косолапов: «Я из поколения „бунта“» // artandyou URL: https://artandyou.ru/interview/artists/aleksandr-kosolapov-ya-iz-pokoleniya-bunta/ (дата обращения: 20.05.2024).

Таким образом, на основе исследованного визуального материала можно сделать вывод о том, что Александр Косолапов действительно сформировал уникальный подход к созданию произведений, основанный на совмещении различных культурных символов, кодов и знаков, относящихся к полярным идеологиям или системам, а также на отсылках к поп-арту, авангарду, культуре консьюмеризма и творчеству советских художников.

Благодаря этому подходу, а также вследствие мастерского использования образов американской культуры и советской идеологии, его работы стали узнаваемыми по всему миру и обрели идентичность.

Более того, работы Александра Косолапова сохранили свою актуальность и с наступлением нового тысячелетия: молодое поколение обнаружило в них резонирующие смыслы и новые интерпретации. Сам формат работ трансформировался в «мемы», для которых характерны яркие образы, связь с резонансными событиями в обществе и смелые высказывания.