Roy Lichtenstein Whaam! (1963)
Рубрикатор
- Концепция
- Вещи как образ повседневной жизни современного общества
- Вещи как отражение человеческой идентичности
- Вещи как символ пустоты и избытка
- Заключение
1. Концепция
XX–XXI века стали периодом, когда потребление превратилось из экономического процесса в одну из основ современной культуры. Развитие промышленности, международной торговли и массового производства изменило не только повседневную жизнь человека, но и окружающую визуальную среду. После Второй мировой войны западное общество вступает в эпоху экономического роста: появляются супермаркеты, распространяется бытовая техника, активно развивается реклама, телевидение и журнальная индустрия. Товары становятся доступными для широких слоёв населения.
Во второй половине XX века вещи занимают всё более заметное место в общественной жизни. Предметы перестают восприниматься исключительно с практической точки зрения. Всё большее значение приобретает их внешний вид, бренд, престижность и способность создавать определённый образ.
Три женщины делают покупки в супермаркете в 1950-х годах.
Традиционно искусство изображало человека через его лицо, тело, жесты, социальное положение или исторические действия. Однако в XX веке происходит радикальное изменение визуального языка. Художников начинает интересовать не сам человек, а предметная среда, которая его окружает: товары, упаковки, предметы быта, рекламные изображения и объекты массового производства становятся центральными элементами художественных произведений. При этом вещи используются не как фон или второстепенная деталь, а как самостоятельный способ рассказа о человеке и обществе.
*Patrick Caulfield Wine Glasses 1969
Актуальность данной темы связана с тем, что общество потребления продолжает определять повседневную жизнь человека и в XXI веке. Человек сегодня существует внутри огромного количества визуальных образов, связанных с потреблением, а материальная среда всё сильнее влияет на восприятие мира, представления о красоте, успехе и собственной идентичности. Через вещи люди выражают свой вкус, социальный статус, образ жизни и даже мировоззрение. Поэтому исследование того, как искусство показывает жизнь через вещи, позволяет лучше понять особенности современной культуры и изменения отношений между человеком и материальным миром.
Интерес к данной теме возник у меня при изучении поп-арта и современного искусства. Я заметила, что многие произведения художников XX–XXI века через изображение материального мира и массовых образов рассказывают не столько о самих вещах, сколько о людях, обществе и времени, в котором они существуют. Обычные бытовые объекты начинают отражать массовую культуру, социальные ценности и даже внутреннее состояние человека. Это вызвало у меня интерес подробнее исследовать, почему и как именно вещи становятся одним из главных визуальных языков современного искусства.
*Patrick Caulfield Sweet Bowl 1967
Работа структурирована по принципу постепенного раскрытия темы. Сначала рассматривается, каким образом вещи становятся частью визуального образа повседневной жизни, затем анализируется их связь с человеческой идентичностью, и наконец исследуется тема избытка и визуального перенасыщения современной культуры.
Материалами исследования являются произведения поп-арта, концептуального и современного искусства, а также теоретические тексты, посвящённые обществу потребления, массовой культуре и проблемам визуальности.
Вопросы, которые я поставила перед визуальным исследованием звучат так: "Почему вещи становятся важной частью визуального языка искусства XX–XXI века?", "Каким образом предметы помогают художникам показывать особенности современного общества?", "Как связаны потребление, визуальная культура и человеческая идентичность?", "Почему бытовые объекты начинают восприниматься как полноценные художественные образы?", "Как современное искусство показывает влияние массовой культуры на восприятие человека?". Получить ответы на эти вопросы можно в конце визуального исследования.
*James Rosenquist I Love You with My Ford 1961
2. Вещи как образ повседневной жизни современного общества
Во второй половине XX века происходит радикальное изменение визуальной культуры. После Второй мировой войны западное общество вступает в эпоху стремительного экономического роста, массового производства и развития потребительского рынка. Повседневная жизнь начинает формироваться непрерывным взаимодействием человека с товарами, рекламой и медиаобразами. Вещи становятся центральной частью современной жизни, а окружающая человека предметная среда — главным визуальным языком эпохи.
Именно в этот период возникает поп-арт — художественное направление, сформировавшееся в 1950–1960-х годах в Великобритании и США как реакция на развитие массовой культуры и визуального языка потребления [1]. Поп-арт обращается к рекламе, упаковкам, комиксам, телевизионным изображениям и товарам массового производства, превращая повседневные объекты в полноценное искусство.
1. Marilyn Diptych. Andy Warhol 1962 2. Marilyn. Andy Warhol 1967
Художники поп-арта стремились стереть границы между высоким и низким искусством.
Как отмечает Бодрийяр Жан, в обществе потребления вещи функционируют не только как предметы пользования, но и как система социальных знаков [2]. Люди потребляют не столько сами объекты, сколько связанные с ними значения: престиж, успех, современность, принадлежность к определённому образу жизни.
Именно в этот момент предмет или товар становится важнейшим визуальным символом эпохи.
1. Andy Warhol. Campbell’s Soup Cans. 1962 2. Installation view of the exhibition «Andy Warhol: Campbell’s Soup Cans and Other Works, 1953-1967» 2015.
Особенно ясно это проявляется в творчестве Энди Уорхола. В работе Campbell’s Soup Cans (1962) художник многократно повторяет изображения банок супа массового производства. На первый взгляд объект кажется предельно бытовым и незначительным, однако именно его обыденность принципиальна для Уорхола.
Художник изображает предмет, одинаково знакомый миллионам людей. Банка супа становится символом стандартизированного опыта современного общества, в котором потребление приобретает массовый и унифицированный характер. Повторение изображения напоминает промышленный конвейер или полки супермаркета, подчёркивая механизированность культуры потребления.
Вы можете смотреть телевизор и видеть рекламу Coca-Cola, и вы знаете, что президент пьет Coca-Cola, Лиз Тейлор пьет Coca-Cola, и подумайте только, вы тоже можете пить Coca-Cola. Coca-Cola есть Coca-Cola, и никакие деньги не купят вам Coca-Cola лучше.
Green Coca-Cola Bottles. Andy Warhol. 1962
Уорхол показывает важное изменение: повседневная жизнь современных людей определяется уже не уникальным опытом, а взаимодействием с одинаковыми товарами и изображениями. Поэтому банка супа становится не изображением еды, а изображением структуры современного общества, в котором постепенно стираются границы между разными социальными слоями.
Кроме того, Уорхол намеренно использует эстетику механического воспроизводства. Как писал Волтер Беньямин, техническое тиражирование разрушает уникальность произведения искусства и меняет сам способ его восприятия. Оригинал картины существует в единственном месте и времени, он связан с ритуалом и традицией. Репродукция же разрушает эту дистанцию, делая искусство доступным, но лишая его уникальности [3]. Поп-арт доводит эту логику до предела: искусство начинает напоминать промышленное производство, а художественное изображение становится визуально неотличимым от рекламы или упаковки.
Продукт становится символом равенства современного общества.
Зарабатывать деньги — это искусство, работать — это искусство, а хороший бизнес — это лучшее искусство.
Подобным образом работает и Клас Олденбург. Художник создаёт гигантские скульптуры бытовых предметов — гамбургеров, мороженого, прищепок или розеток. Увеличивая обычные вещи до монументальных масштабов, Олденбург меняет их восприятие. Бытовой предмет перестаёт быть незаметной частью повседневности и превращается в самостоятельный культурный, социальный и даже политический символ. Его масштабные, но игривые образы, соединяющие иронию, инженерию и лиризм, сделали его одной из ключевых фигур американского поп-арта XX века.
*Lipstick (Ascending) on Caterpillar Tracks (1969) Claes Oldenburg
1. Spoonbridge and Cherry. Claes Oldenburg. 1988 2. Clothespin. Claes Oldenburg. 1976
Похожую проблему исследует Рой Лихтенштейн. Используя эстетику комиксов и печатной рекламы, Лихтенштейн демонстрирует, что современное восприятие мира всё больше строится через призму массовой культуры потребления. Человеческие эмоции и бытовые сцены в его работах выглядят как механически воспроизводимые шаблоны, напоминающие рекламные изображения.
*Oh, Jeff... I Love You, Too... But... Roy Lichtenstein 1964
1. Drowning Girl. Roy Lichtenstein. 1963 2. Sandwich and Soda. Roy Lichtenstein. 1964
Работы художника отличаются чётким контуром, яркими первичными цветами, холодным «механическим» исполнением и характерной технике имитации печатных точек Ben-Day. Он часто включал текстовые реплики и звукоподражания, создавая эффект комикса, который В XX веке стал одним из популярных жанров массовой культуры.
*Roy Lichtenstein Reflections on Girl 1990
Ben-Day Dots — Техника коммерческой печати с использованием маленьких цветных точек, названная в честь иллюстратора и печатника XIX века Бенджамина Генри Дэя. Точки Бен-Дэя использовались в цветных комиксах в 1950-х и 60-х годах для недорогого создания эффектов затенения и вторичных цветов. Американский художник в стиле поп-арт Рой Лихтенштейн (1993–1997) использовал трафареты для имитации вида точек Бен-Дэя в своих картинах, вдохновленных комиксами. [4]
