Искусство проторенессанса и эпохи раннего Возрождения в Италии
Гипотеза
Искусство проторенессанса и эпохи раннего Возрождения в Италии различается по своим характеристикам в плане тематики, стиля и подходов к художественному выражению, с тем, что проторенессанс является переходным этапом, адаптирующим элементы готической традиции, в то время как ранний Ренессанс представляет собой полное восприятие и внедрение античных идеалов, реализма и гуманистических идей.
Введение
История человечества напоминает биографию с этапами взросления. Возрождение, как начало зрелости, было временем поиска индивидуальности и освобождения от предрассудков, что стало основой современной цивилизации. Оно зародилось в Италии на принципах гуманизма, провозглашающего право на развитие личности. Гуманисты вдохновлялись античностью, видя в ней эталон искусства. Возрождение сочетало средневековые и античные традиции, заложив основу европейской культуры. В искусстве появились новые подходы в архитектуре, живописи, интерес к мифологии и портретам. Ведущими центрами Возрождения стали Флоренция, Венеция и позже Рим.
Глава I. Проторенессанс
В XIII–XIV веках в Италии, особенно в Тоскане и Риме, возник период, известный как Проторенессанс, который являлся мостом между готическими и византийскими традициями и предвосхитил Ренессанс. Этот уникальный переходный этап выделялся синтезом старых и новых элементов, что было характерно только для Италии. Данте Алигьери, отмеченный как «последний поэт Средневековья» и первопроходец новой лексики, заложил основы итальянского языка, в то время как Франческо Петрарка, с его интимными лирическими стихами, и Джованни Боккаччо, создавший жанр новеллы, обогатили литературную традицию. В архитектуре и скульптуре выделялись имена Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, а также живописца Джотто ди Бондоне, которые не только восстанавливали античные идеалы, но и внедряли элементы реализма и человечности, закладывая основы для будущих великих свершений искусства Ренессанса.
1. Архитектура
Архитектура Италии на протяжении долгого времени оставалась верна средневековым традициям, что проявлялось в широком использовании готических мотивов. Однако итальянская готика обладала своими характерными чертами: она стремилась к гармонии крупных форм, уравновешенному свету и горизонтальным линиям, что выгодно отличало её от северных аналогов. Примером этого служит церковь Санта-Кроче во Флоренции, строительство которой было начато Арнольфо ди Камбио в конце XIII века. Храм выделяется широкими пролётами и единственным светлым интерьером, вместо запутанных готических сводов здесь использовано деревянное потолочное перекрытие
В 1296 году во Флоренции стартовало строительство собора Санта-Мария дель Фьоре. Архитектор Арнольфо ди Камбио стремился увенчать алтарную часть собора внушительным куполом. Однако после его смерти в 1310 году проект на долгое время заморозился и был завершён лишь в период раннего Возрождения. В 1334 году началось строительство кампанилы — колокольни собора, спроектированной Джотто. Эта изящная прямоугольная башня с поэтажной композицией и великолепными готическими окнами со стрельчатыми арками продолжала оказывать влияние на итальянскую архитектуру на протяжении многих веков.
Церковь Санта-Кроче и Собор Санта-Мария дель Фьоре
2. Скульптура
В итальянском искусстве новые направления в первую очередь проявились в скульптуре, особенно в рамках пизанской школы, основателем которой стал Никколо Пизано (около 1220—между 1278 и 1284). Родившись в Апулии, он завоевал известность в Пизе, откуда и получил прозвище Пизано, став знаковым представителем итальянского искусства. Его творчество, пронизанное античными веяниями, отразило влияние как позднеримских, так и раннехристианских саркофагов.
Одним из самых значительных его достижений стала шестигранная кафедра, выполненная в 1260 году для пизанского баптистерия. Это произведение, сделанное из белого, розово-красного и темно-зеленого мрамора, представляет собой монументальное архитектурное сооружение, доступное для обозрения с разных сторон. На парапетах кафедры изображены рельефы, иллюстрирующие события из жизни Христа, вместе с фигурами пророков и аллегорическими образами добродетелей, а колонны опираются на изваяния львов.
Хотя Никколо Пизано использует традиционные сюжеты, его работы уже принадлежат к новой художественной эпохе. Важнейшим его достоинством стало умение придать формам объем и выразительность, в результате чего каждое изображение излучает физическую мощь. Образы, созданные мастером, отличаются статичностью и величием, как, например, Богоматерь, напоминающая римскую Юнону, и аллегория Силы в обличии обнаженного Геракла.
После Никколо его наследие продолжили сын Джовани Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный как архитектор. Арнольфо (около 1245—после 1310) ориентировался на монументальную скульптуру, опираясь на свои жизненные наблюдения. Одним из его наиболее известных творений стал фонтан Фонте Маджоре, законченный в 1278 году, который украсил площадь Перуджи. Несмотря на запреты на использование фонтанной воды для поения животных или для грязной посуды, его изысканные полуразвернутые фигуры, созданные совместно с Никколо и Джовани Пизано, стали гордостью города. Сегодня эти произведения, сохранившиеся в городском музее, продолжают восхищать своим выразительным отображением человеческой динамики.
3. Живопись
Одним из важнейших источников о жизни и творчестве итальянских художников Ренессанса является труд Джорджо Вазари «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550). Первое жизнеописание в книге Вазари посвящено Чимабуэ, которому он придаёт титул родоначальника нового стиля живописи в Италии. Чимабуэ, известный во Флоренции как мастер алтарных картин и икон, использовал византийские традиции, стремясь добавить в свои работы элементы земного чувства и смягчить жесткость канона.
Новаторские поиски стали более заметными в произведениях Пьетро Каваллини (между 1240-1250 и около 1330), который жил и работал в Риме и оставил наследие в виде мозаик и фресок с объемными и материальными изображениями.
Эти достижения перешли к Джотто ди Бондоне (1266 или 1267-1337), значимой фигуре Проторенессанса. Легенда гласит, что Джотто, будучи shepherd’ом, рисовал на камнях и был замечен Чимабуэ, который взял его в свою мастерскую. Хотя существуют разные версии его обучения, в конечном итоге Джотто стал известным художником, работавшим в Пауде, Флоренции, Милане и Неаполе, прежде чем окончательно поселился во Флоренции, занимаясь архитектурой.
Одним из самых известных его произведений являются фрески в капелле дель Арена в Пауде (1304-1306), построенной банкиром Энрико Скровеньи. Джотто расписывал капеллу, создавая сцены, связанные с жизнью Иоакима и Анны, родителей Марии. Важнейшие работы включают «Страшный суд», «Благовещение» и сцены, связанные с «Поцелуем Иуды» и «Оплакиванием Христа», которые стали знаковыми для его наследия.
Сцены, связанные с «поцелуем иуды» и «страшный суд»
После творчества Джотто итальянская живопись испытала заметный спад, и стиль, характерный для последних двух третей XIV века, известный как треченто, все больше подчинялся готическому влиянию. Во второй половине века Сиена стала центром живописи, хотя её искусство, по словам историка П. П. Муратова, было «богаче чувством, чем мыслями», оставаясь более простым и непосредственным по сравнению с Флоренцией.
Дуччо ди Буонинсенья (около 1255–1320), основатель сиенской школы, следовал традициям византийской иконописи. Его самая известная работа — алтарный образ «Маэстра», ставший центром торжеств при смене места. Центром композиции является Мадонна с Младенцем, окруженная святыми и сценами из жизни Христа.
Среди последователей Дуччо выделяется Симоне Мартини (около 1284–1344), мастер сиенской живописи, который впитал элементы светской культуры и работал в разных городах Италии. Его росписи, например, в зале Маппамондо в Палаццо Публико, демонстрируют его уникальный стиль и оригинальные образы.
Сиенская школа XIV века также известна своим типом женской красоты, которая, хотя и считается изысканной, имеет длинные лица и миндалевидные глаза. В последние десятилетия века Италия столкнулась с экономическими трудностями и эпидемиями чумы, способствовавшими распространению пессимизма и мистических настроений.
Эти настроения нашли отражение в художественных произведениях, таких как фреска «Триумф смерти» в Пизе. На ней изображена старуха Смерть, летящая к радующимся юношам и девушкам, что подчеркивает тему быстротечности жизни и безупречной силы смерти, которая стала частой темой средневекового искусства.
Глава II. Раннее Возрождение
В XV веке Италия стала центром художественной жизни Европы, и Флоренция заняла доминирующее положение, вытеснив Сиену и Пизу. Этот город, известный как «Цветок Италии», стремился к величию Рима, от которого произошел. Политическая власть принадлежала купцам и ремесленникам, а борьба между богатейшими семьями завершилась в конце XIV века победой дома Медичи. Козимо Медичи и его внук Лоренцо Великолепный стали негласными правителями Флоренции, привлекая в город писателей, поэтов, ученых и художников. В архитектуре произошел значительный переворот, и Флоренция пережила активное строительство, что изменило ее облик.
2.1. Архитектура
Филиппо Брунеллески (1377–1446), уроженец Флоренции, оказал значительное влияние на архитектуру раннего Возрождения и стал основателем ренессансной архитектуры в Италии. Он внес вклад в развитие научной теории перспективы и использовал точные математические расчеты для своих построек. Первоначально работая скульптором, он участвовал в конкурсе на проект бронзовых рельефов для дверей флорентийского баптистерия в 1401 году.
Одним из первых его значимых проектов стал купол собора Санта-Мария дель Фьоре. Это выдающееся инженерное решение позволило создать непростую конструкцию: легкий пустотелый купол с двойной оболочкой и каркасом из восьми рёбер, поддерживаемым кольцами. Купол, увенчанный изящным фонарем, стал символом Флоренции и предшественником многих купольных храмов в Европе.
купол собора Санта-Мария дель Фьоре
В 1412–1444 годах Брунеллески также построил Оспедале дельи Инноченти — первый ренессансный гражданский объект, ставший приютом для детей. Приветливый двухэтажный фасад с девятью аркадами и прямоугольными окнами создает гармоничное впечатление и отражает гуманистические идеи. Позже фасад украсили цветные керамические медальоны с рельефами младенцев, созданными Андреа делла Роббиа.
Работы Брунеллески подчеркнули одну из главных черт раннего ренессанса: здания, ориентированные на человека, соразмерные его росту, в отличие от готических конструкций. Он продолжил развитие античного ордера, созидая композиции, сосредоточенные вокруг центрального купола. Среди его наиболее известных проектов — капелла Пацци в церкви Санта-Кроче (1429-1443), где изящный портик и светлая планировка создают ощущение легкости и гармонии, подчеркивая архитектурное совершенство и красоту пропорций.
В начале 30-х годов XV века Филиппо Брунеллески и его друг скульптор Донателло посетили Рим, где знакомство с античной культурой происходило через изучение архитектурных памятников и рукописей. Во время поездки они активно исследовали и классифицировали античные объекты. Влияние римской классики отразилось в таких его крупных проектах, как церкви Сан-Лоренцо (1442-1444) и Санто-Спирито (начата в 1444, завершена в 1487).
церкви Сан-Лоренцо и Санто-Спирито
Одной из ключевых задач итальянской архитектуры XV века стало создание нового типа городских дворцов, которые стали образцом для последующих общественных зданий. В эту эпоху особенно выделяется Леон Баттиста Альберти (1404-1472) — философ и ученый, ставший идеальным представителем «ренессансной личности». Получив блестящее образование в Падуе и Болонье, Альберти вернулся во Флоренцию в 1428 году и стал частью кругов вокруг дома Медичи.
После переезда в Рим в 1432 году он занял должность секретаря Папы Евгения IV и, будучи страстным поклонником античности, создал первую топографическую карту Рима и написал трактат «Десять книг о зодчестве» (1449-1452). Хотя Альберти также писал о живописи и статуе, его истинное призвание — архитектура, где он стремился объединить классический стиль с новыми идеями.
Наиболее выдающимся примером его замысла является флорентийское палаццо Ручеллаи (1446-1451), завершенное Бернардо Росселино. Фасад здания, оформленный гладкими каменными блоками и пилястрами, отражает новые черты. Работая в Мантуе над церковью Санта-Андреа, Альберти ушел от готических традиций, вдохновившись формами триумфальной арки, что также прослеживается в его проекте церкви Сан-Франческо в Римини, преобразованной в Темпио Малатестиано.
палаццо Ручеллаи
Лоренцо Альберти использовал систему большого ордера в своих постройках, где колонны и пилястры охватывают фасады от низа до верха. Его подход к пропорциям основывался на «золотом сечении», что позволяло создавать гармоничные архитектурные элементы.
В контраст, ренессансное искусство в северной Италии, особенно в Венеции, развивалось иначе. На протяжении веков Венеция, как торговая республика, сохраняла связи с Византией и Востоком. Однако турецкие завоевания изменили эту динамику, и ренессансные идеи проникали сюда медленно, что позволяло византийским и готическим традициям сохранять влияние еще долгое время.
2.2. Скульптура
В XV веке итальянская скульптура пережила расцвет, став независимой от архитектуры и развивая новые жанры. Заказы от богатых купцов и ремесленников на украшение общественных зданий способствовали формированию художественного сообщества, а художественные конкурсы стали важными общественными событиями.
Ключевым моментом в развитии ренессансной скульптуры стал конкурс 1401 года на создание бронзовых дверей для флорентийского баптистерия. Среди участников были молодые мастера, в том числе Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти (около 1381-1455). Гиберти, блестящий рисовальщик и первый историк итальянского искусства, победил в конкурсе. Его творчество отличалось равновесием и гармонией всех элементов изображения, что особенно ярко проявилось в создании восточных дверей баптистерия (1425-1452), которые Микеланджело назвал «Вратами рая».
восточные двери баптистерия «Вратами рая».
Эти двери, состоящие из десяти квадратных композиций из позолоченной бронзы, передают глубину пространства, объединяя фигуры, природу и архитектуру, и звучат как выразительные живописные картины. Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников, включая молодого Донателло, будущего реформатора итальянской скульптуры.
Донато ди Никколо ди Бетто Барди, более известный как Донателло (около 1386-1466), родился во Флоренции в простой семье чесальщика шерсти. Он работал в таких городах, как Флоренция, Сиена, Рим и Падуа, однако, несмотря на свою известность, вел скромный образ жизни. Говорили, что Донателло оставлял у двери своей мастерской кошелек с деньгами, из которого его друзья и ученики брали столько, сколько им было нужно.
Донателло стремился к выражению жизненной правды в искусстве, но одновременно придавал своим работам черты возвышенной героики. Эти качества проявились в его ранних работах, включая статуи святых для наружных ниш церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. Особенно известна его статуя «Святой Георгий» (1416 г.), изображающая юношу-воину с глубоким, сосредоточенным взглядом и уверенной позой.
В своих статуях пророков Донателло подчеркивал их уникальные складки и даже нелицеприятные черты, придавая им естественность и жизненность. Пророки Иеремия и Аввакум изображены как цельные, духовно богатые натуры, чьи крепкие фигуры скрыты тяжелыми плащами.
В 1430 году Донателло создал «Давида» — первую обнаженную статую в итальянской скульптуре Ренессанса. Статуя, предназначенная для фонтана во внутреннем дворике палаццо Медичи, изображает библейского пастуха, победителя Голиафа. Донателло, вдохновляясь античными образцами, переработал их в духе времени, создав задумчивого Давида в пастушьей шляпе, который, попирая ногой голову Голиафа, кажется неосознанным величием своего подвига.
В 1433 году мастер завершил мраморную кафедру флорентийского собора, на которой изображены пляшущие путти, что стало популярным мотивом в итальянской скульптуре Ренессанса и позднее в искусстве XVII–XVIII веков.
В Падуе, в соборе Святого Антония, Донателло создал огромный скульптурный алтарь (1446–1450 гг.) с множеством статуй и рельефов, где центральное место занимала статуя Мадонны с Младенцем и шесть статуй святых по бокам. К сожалению, в конце XVI века алтарь был разобран, и лишь часть его сохранилась до наших дней, оставляя загадку о его первоначальном облике.
В первой половине XV века итальянская скульптура переживала бурные преобразования, и Донателло (1386–1466) стал одним из ее самых ярких представителей. Его четыре алтарных рельефа, изображающие чудесные деяния Святого Антония, демонстрируют уникальную технику плоского рельефа. Мастеру удалось создать впечатление глубины пространства за счет перспективы, вписывая многолюдные сцены в реальную жизненную обстановку с выразительными городскими фонами.
В Падуе Донателло создал конную статую Гаттамелаты — одного из первых ренессансных монументов. Статуя, олицетворяющая достоинство и силу, особенно впечатляет своим портретным искусством и выразительностью со всех сторон. Параллель с фасадом собора Сант-Антонио создает эффектные визуальные контрасты, подчеркивая статую на фоне неба и куполов.
В последние годы жизни в Флоренции Донателло переживал душевный кризис, что отразилось в его более драматичных работах, таких как «Юдифь и Олоферн» и «Мария и Магдалина», где он исследовал тему человеческих страданий и глубины эмоций.
«Мария и Магдалина» и «Юдифь и Олоферн»
Не менее значимым мастером оставался Якопо делла Кверча (1374–1438), чьи работы, хотя и стали песнью о красоте, находились вне основных течений Ренессанса. Его надгробие юной Иларии дель Карето и скульптуры для фонтана Фонте Гайя в Сиене демонстрируют монументальность и выразительность форм, предвосхищающую Микеланджело.
Семья делла Роббиа, особенно Лука делла Роббиа и его племянник Андреа (1435–1525), внесли нотку радости и светскости в ренессансное искусство через глазурованную майолику. Исследуя элементы глазури, Лукка создавал яркие медальоны и бюсты, получившие признание за свое жизнерадостное и доброе содержание.
2.3. Живопись
В архитектуре раннего Возрождения выдающуюся роль сыграл Брунеллески, в скульптуре — Донателло, а в живописи — Мазаччо. В период творческого расцвета Брунеллески и Донателло появился на свет Мазаччо, чье стремление изображать фигуры с живостью и непосредственностью стало его визитной карточкой, как отметил Вазари. Эти мастера не только обогатили итальянскую скульптуру, но и задали новые эстетические идеалы, которые продолжали влиять на будущие поколения художников.
Томаззо ди Джованни ди Симоне Кассаи, известный как Мазаччо (1401–1428), родился в Сан-Вальдарно и к юным годам уехал учиться живописи. Существует предположение о его сотрудничестве с Мазолино де Паникале, однако это мнение было опровергнуто современными исследователями. На протяжении своей короткой жизни, не дожив до 27 лет, он оставил множество новаторских работ.
Одним из его классических произведений является алтарная фреска «Троица», созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции. Композиция фрески, размещенной на стене капеллы, демонстрирует распятие и фигуры Марии и Иоанна Крестителя, осеняемые образом Бога-Отца. Нижнее пространство фрески занимает изображение саркофага с лежащим на нем скелетом Адама, что символизирует связь между поколениями. Надпись над саркофагом: «Я был таким когда-то, как вы, и вы будете такими, как я», добавляет концептуальную глубину.
На протяжении долгого времени «Троица» оставалась в тени других работ Мазаччо, включая его цикл росписей в капелле Браначчи. Однако после реставрации в 1952 году, которая вернула фреску на прежнее место и раскрыла ее нижнюю часть, интерес к этому произведению значительно возрос.
«Троица» впечатляет величественной отрешенностью образов и аутентичностью пространства. Объемные фигуры, выразительные портретные характеристики заказчиков и сдержанное чувство, заключенное в образе Богоматери, создают незабываемый визуальный опыт, который продолжает вдохновлять исследователей и ценителей искусства.
В те же годы, когда Мазаччо работал с Мазолино, он создал известные росписи капеллы Бранкаччи в церкви Санта-Мария дель Кармине. Перед ним стояла задача построить пространство с помощью линейной и воздушной перспективы и достоверно изобразить действия, позы и жесты персонажей. Мазаччо успешно выполнил эту задачу, передав внутреннее напряжение и психологическую глубину образов.
Основные сюжеты росписей посвящены апостолу Петру. В композиции «Чудо со статиром» запечатлены три разновременных эпизода, где апостол взаимодействует со сборщиком налогов. Хотя использование многослойного повествования напоминало средневековые традиции, в работах Мазаччо ощущалась смелая новизна, благодаря драматургии и выразительности его героев.
Еще одной значимой фреской является «Изгнание Адама и Евы из рая», где Мазаччо передает безысходное отчаяние этих персонажей. Их эмоции олицетворяют нарушение Божественного закона.
В августе 1428 года Мазаччо уехал в Рим, не завершив росписи, и вскоре скончался. Капелла Бранкаччи стала местом вдохновения для многих потомков живописцев, которые стремились перенять его новаторские приемы, но оценить его наследие смогли лишь более поздние поколения.
Современник Мазаччо, Паоло Учелло (1397–1475), отличался яркой сказочностью своего творчества. Его картина «Святой Георгий» представила дракона с узорчатыми крыльями, который, несмотря на свою форму, выглядит забавно. Учелло сочетал фантазию с увлечением перспективой; его экспериментальные чертежи и зарисовки, рассматриваемые Вазари как чудачества, сделали его одним из первых мастеров, применявших линейную перспективу в живописи.
Смелые искания Паоло Учелло нашли выразительное воплощение в цикле картин, посвященных битве флорентийских полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо, заказанных Козимо Медичи. На фоне игрушечного пейзажа его картины изображают яркую и ожесточенную схватку всадников и воинов, где элементы боя перемешиваются с эстетикой, создавая красочную и условную декорацию.
Поздняя работа Учелло, фреска «Ночная охота», отличается тщательно продуманной композицией, но прежде всего привлекает зрелищем: охотники в ярко-красных одеждах и белые собаки устремляются в темный лес, создавая атмосферу динамики и таинственности.
Современник Учелло, Фра Филиппо Липпи (1406–1469), также проявил светское начало и лирическую чувственность в своих работах. Бывший монах, он жил неполной монашеской жизнью и в 1461 году женился на Лукреции Бутти с разрешения Папы римского. Липпи, автор многих алтарных картин, среди которых «Поклонение Младенцу», передает теплоту человеческих чувств и поэтическое восприятие природы.
Творчество Венециано отличается тонкой гармонией красок и великолепным колоритом, он стал известен своими женскими профильными портретами. Хотя его влияние на флорентийскую живопись было не столь значительным, его талант развился в работах его ученика — Пьеро делла Франческа.
В алтарной картине «Мадонна Милосердия» (1450-1462) Пьеро создает выразительный образ Небесной Заступницы: юная Мария превосходит молящихся и раскрывает свой тяжелый плащ как защитный шатер.
Вероятно, наиболее выдающимся созданием Пьеро стали его фрески в алтаре церкви Сан-Франческо в Ареццо (1452-1466). Они посвящены легенде о крести, на котором был распят Христос, и расположены в три яруса. Ключевые эпизоды, такие как «Смерть Адама» и возвращение креста Императором Ираклием, передают сюжетные моменты, сквозь которые художник раскрывает глубину религиозной истории.
Пьеро делла Франческа в своих фресках создает композиционное единство, избегая строгого повествования. Его работы выделяются яркими цветами (голубыми, розовыми, светло- и темно-зелеными), создающими ощущение света. Хотя живопись кажется плоскостной, она обладает объемно-пространственной основой, где соблюдаются законы перспективы.
Персонажи изображены в широких одеждах с плавными линиями, подчиняясь размеренному ритму. В известной фреске царица Савская преклоняет колена перед деревом из могилы Адама, ее фигура наполнена силой и достоинством.
В композиции «Сон Константина» передана таинственная атмосфера: ангел предрекает императору победу, освещая шатер искусственным светом — прием, не имевший аналогов в итальянской живописи XV века.
Фреска «Победа Константина над Максенцием» связана с историческим событием 312 года, когда Константин одержал победу над Максенцием. Художник создает символический образ триумфа христианства. В сияющем свете конница Константина замерла на берегу Тибра: белые и темные кони, копья и разноцветные знамёна под весенним небом. Император, изображенный в профиль на белом коне, держит в руках крест. Правая часть фрески повреждена, но виден утопающий Максенций.
Пьеро делла Франческа часто посещал Урбино, где исполнял задания герцога Федериго да Монтефельтро, известного своей культурой и художественным вкусом. В 1465 году он создал профильные портреты герцога и его супруги Баттисты Сфорца, наполненные атмосферой воздушной дымки.
Портрет герцога выделяется точностью и силой характера, скульптурная объемность лица передана с помощью света и цвета. Для Урбинского дворца Пьеро написал одну из своих самых загадочных картин — «Бичевание Христа» (1455-1460), где страдание Спасителя гармонично вписано в архитектурное пространство.
К поздним шедеврам мастера относится поэтичное «Рождество» (около 1470), которое ярко демонстрирует его колористический дар.
Андреа Мантенья (1431-1506), уроженец Падуи и ученик Франческо Скварчоне, стал выдающимся мастером Северной Италии. Он сочетал античные мотивы с образом людей своего времени. Первые известные работы — росписи капеллы Оветари в церкви Эремитани (1448-1456), где он использовал необычные ракурсы.
В 1459 году Мантенья переехал в Мантую, где работал при дворе маркиза Лодовико Гонзага, создавая росписи и оформляя празднества. Его известнейшие работы включают «Триумф Цезаря» и «Камеры дельи Спози» (1465-1474), оказавшие значительное влияние на монументальную живопись эпохи Возрождения.
Сандро Боттичелли (1445-1510), современник Леонардо да Винчи и молодого Микеланджело, занимал важное место в живописи раннего Возрождения. Учился у Филиппо Липпи и Верроккьо, стал известен благодаря картине «Поклонение волхвов» (1476), что привлекло внимание семьи Медичи.
Его стиль сочетает элементы стилизации с личным переживанием, что особенно видно в зрелых произведениях, таких как «Весна» (1477-1478) и «Рождение Венеры» (1483-1484). В «Весне» изображены гармоничные фигуры, которые объединяет струящийся ритм линий, а в «Рождении Венеры» — богиня любви, плывущая на раковине, окружённая неземной красотой.
Работы Боттичелли отличает утончённая цветовая гармония, но они также пронизаны оттенком грусти и одиночества.
В живописи раннего Возрождения работы Боттичелли выделяются благодаря уникальным образом женщин, девушек и детей, которые не только красивы, но и пронизаны невысказанной грустью и безгрешной чистотой, особенно в образе Венеры.
В начале 90-х годов XV века в творчестве Боттичелли произошёл перелом, вызванный проповедями доминиканца Савонаролы. После изгнания Медичи из Флоренции в 1494 году, город охватил религиозный фанатизм, и начались публичные сожжения предметов роскоши и искусства. Под влиянием Савонаролы Боттичелли стал создавать картины на религиозные сюжеты с трагическим содержанием, такие как «Оплакивание Христа» и «Покинутая» (около 1490 г.), где изображена девушка, олицетворяющая одиночество и безнадёжность.
Боттичелли умер в бедности и был забыт, пока его творчество не было заново открыто прерафаэлитами в середине XIX века.
Заключение
1. Различия в тематике: Проторенессанс сосредоточен на готических традициях, что отражается в ликовании религиозной тематики и символизме, тогда как раннее Возрождение активно заимствует античные сюжеты и гуманистические идеи, расширяя тематику за пределы чисто религиозного контекста.
2. Стиль искусства: В период проторенессанса преобладают стилистические черты, основанные на готической эстетике, включая упрощённые формы и значительное применение символики. В раннем Возрождении наблюдается переход к более реалистичным, объемным формам, что связано с изучением анатомии и перспективы, а также с заимствованием элементов античного искусства.
3. Подходы к художественному выражению: Проторенессанс характеризуется более консервативным подходом, сохраняющим традиции предыдущих эпох, тогда как ранний Ренессанс демонстрирует активный поиск новых форм выражения, стремление к индивидуальности, выразительности и более глубокому отражению человеческой природы.
4. Культурный и исторический контекст: Проторенессанс служит мостом между готическим искусством и гуманистическими идеалами Ренессанса, подготавливая почву для революционных изменений в искусстве, которые произойдут в эпоху раннего Возрождения.
Таким образом, гипотеза подтверждает, что проторенессанс и раннее Возрождение представляют собой два различных этапа в развитии итальянского искусства, каждый из которых вносит уникальный вклад в художественное наследие.
Советский энциклопедический словарь. — М.: «Советская энциклопедия», 1979. — 1600 с. с илл.
Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч. 1. — 2-е изд., испр./Глав. ред. М. Д. Аксёнова. — М.: Аванта+, 2001. — 688 с.: ил.
Википедия. Свободная энциклопедия [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://ru.wikipedia.org, свободный.
Википедия. Свободная энциклопедия [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://ru.wikipedia.org, свободный.
