Институциональная критика как стратегия художественного высказывания в моде
Рубрикатор
- Концепция - Критика в брендах и показах - Музейная институциональная критика - Критика модной прессы и индустрии репрезентации - Заключение - Библиография - Источники изображений
Концепция
Институциональная критика — направление в современном искусстве, которое концентрируется на критическом анализе роли творцов, кураторов и зрителей, а также поднимает вопрос о функционировании самих институтов. В это же время мода в современном мире перестает быть индустрией, занимающейся лишь созданием и продажей одежды. Она функционирует как сложная институциональная система, объединяющая производство, искусство, образование, медиа и музейное представление. Эта система определяет, что считается модным, ценным и исторически значимым, а также поднимает социальные, политические и культурные вопросы, с которыми существует в неразрывной связи. Модные практики, такие как показы, коллекции, кампании и музейные выставки, работают в качестве художественного высказывания и все чаще становятся саморефлексивными, размывая границы между художественной и дизайнерской идеями. Выбор темы обусловлен желанием глубже погрузиться в институциональную критику в моде и понять, как современные дизайнеры, бренды, кураторы и активистские движения используют визуальные средства для анализа, подрыва и реконфигурации институтов моды, а также взаимодействуют со своей аудиторией через эти инструменты. Кроме того, анализ институциональной критики как стратегии художественного высказывания в моде позволяет понять, как скрытые механизмы власти внутри индустрии регулируют тенденции, стандарты, доступ к профессиональным полям, ценности и ритмы потребления.
Визуальный материал отбирался по принципам релевантности институции, разнообразия форматов исследуемого материала и авторитетности используемых источников. В исследовании задействуются материалы, наиболее полно раскрывающие критический жест художественного высказывания. Текстовые источники, на которые делаются отсылки в данной работе, помогают ознакомиться со структурой модной индустрии, дают необходимую теоретическую базу для анализа и позволяют точнее интерпретировать идеи и посылы исследуемых изображений, произведений и перформансов. Рубрикация визуального исследования последовательно раскрывает основные направления институциональной критики в индустрии, двигаясь от критики в брендах и показах к таким структурам, как музейная институциональная критика, критика социального и телесного институтов, активизм и критика модной прессы и индустрии репрезентации. Главной задачей визуального исследования является рассмотрение моды как институции, внутри которой происходят критические и самоосмысленные процессы, использующие визуальные стратегии для переосмысления собственного устройства.
Критика в брендах и показах
Carol Christian Poell — SS 2004, «Mainstream — Downstream»
Кэрол Кристиан Поэль — дизайнер из Австрии, выходец из семьи, в которой отец, дед и дядя занимались кожевенным бизнесом. Мастерство дизайнера позволило ему в 1993 году создать одноименный бренд, в котором работа с материалом становится перфомансом. Он творит в рамках концепции Post-Luxury Conceptual Functional Art (PLCFA), которая подразумевает под собой меру ценности вещей не по денежному эквиваленту, а по философии и сложности производства самого изделия. Дизайнер использует такие техники, как object-dyeing (окрашивание уже готовой вещи), «инъекция краски» в кожу по «венам», а также использует эксцентричные материалы, например, человеческие и конские волосы или зубы.
Таким образом дизайнер критикует институцию моды. Каждое действие Кристиана Поэля в бренде — жест протеста против существующего порядка индустрии. Коллекции дизайнера никогда не выходят согласно классическим сезонным канонам. Самые яркие показы дизайнера проходили на скотобойне, в морге, или, например, вдоль канала Naviglio Grande, а чтобы попасть в бутик бренда, нужно записываться заранее. Причем, ознакомиться заранее с ассортиментом бренда нельзя. Все эти факторы показывают, как Кристиан Поэль призывает индустрию не забывать о настоящем ремесле создания одежды, быть не настолько быстротечной, массовой, коммерческой и безликой.
Выдающимся примером этому служит перфоманс «Mainstream — Downstream». Название показа отсылает нас к идее того, как люди слепо следуют мейнстриму современной моды и ее тенденциям, теряя собственную индивидуальность, свое направление, словно трупы, плывущие по течению. Перфоманс Кэрла Кристиана Поэля — это не просто демонстрация одежды, а художественное высказывание, критикующее институциональные механизмы индустрии, ее манеру стремления к массовости и однотипности.
В образах дизайнер использует свою фирменную, будто бы состаренную, потрепанную, изношенную кожу, окрашенную в глубокие оттенки, в том числе и в кроваво-красные, контрастирующие с пресно-белыми рубашками. На куртках можно заметить необработанные края, на брюках — сложную шнуровку. Также на моделях шарфы и перчатки без пальцев.
AVAVAV — AW 2023
Бренд родом из Флоренции, основанный парой Линдой и Адамом Фриберг в 2017 году. В 2020 году дизайнер Беате Карлссон стала его креативным директором. Avavav специализируется на эксцентричной одежде из экологичных материалов или переработанной одежды других брендов. В своих работах Беате поднимает такие вопросы, как перепотребление, высмеивает фаст-фэшн, индустрию роскоши, абсурдность рейтингов статуса, а также зависимость моды от социальных сетей и инфлюенсеров.
Примером институциональной критике в фэшн показе можно увидеть практически на каждом шоу бренда. Так, в показе Avavav Autumn-winter 2023 года одежда разваливалась прямо на моделях, и некоторые оставались практически голыми. Этим перформансом Беате Карлссон критикует современную фэшн индустрию за ее скорость. Люди стали одержимы быстрой модой и погоней за трендами. Они массово скупают дешевые, некачественные товары, которые негативно влияют на окружающею среду, на таких маркет-плейсах как SHEIN и Romwe, совершенно не задумываясь о последствиях.
All in all
Таким образом, можно сказать, что институциональная критика как художественный метод высказывания действительно используется дизайнерами в их показах, что подтверждают коллекции таких брендов, как Carol Christian Poell и Avavav. В этих случаях разваливающаяся одежда и модели, сплавляющиеся по реке, словно трупы, работают как институциональная провокация: бренды не просто создают коллекции, а комментируют саму сущность модных показов и индустрии.
Музейная институциональная критика
MET 2017, Rei Kawakubo — «Art of the In-Between»
Институт костюма (The Costume Institute) Метрополитен-музея (MET) был основан в 1946 году в Нью-Йорке. С 2014 года он называется Anna Wintour Costume Center. Основной источник финансирования Института — ежегодный бал «Met Gala», который проводится в Метрополитен‑музее. Институт костюма занимается организацией крупных выставок о моде, среди которых были такие известные, как «Savage Beauty» Александра Маккуина, «PUNK: Chaos to Couture», «Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination». Однако, самой запоминающейся выставкой, использующей институциональную критику, является «Rei Kawakubo — „Art of the In-Between“, о которой и пойдет речь далее.
Рей Кавакубо — дизайнер и основательница бренда «Comme des garcons» — одна из первых модельеров, кому выставка была посвящена при жизни (до нее был только Ив Сен Лорана в 1983 году).
Концепция «In-Between» отражена в дизайне самого пространства выставки — сотрудничестве Рэй Кавакубо и куратора Института Костюма Эндрю Болтона. Безликая поверхность галереи, а также ее круговая геометрия символизируют пустоту в дзен-буддизме. Кроме того, белые поверхности отлично контрастируют с яркими цветными нарядами, что подчеркивает идею того, что одежда — это не просто мода, а арт-комментарий на культуру. Выставка Рей Кавакубо была поделена на девять частей, образы в которых были построены на антитезе. Рассмотрим некоторые из них.
Первая часть выставки — «Absence / Presence» («Отсутствие / Присутствие»). В ней представлены ансамбли в красных цветах из трех коллекций: «Body Meets Dress, Dress Meets Body», «Invisible Clothes» и «Two Dimensions». Идея этой части основана на японской философии «му» (пустота) и «ма» (пространство) и выражается через эффект «неполного объекта»: прозрачные или полупрозрачные ткани, асимметрия, разрезы — всё это формирует ощущение незавершённости. Вторая часть — «Design / Not Design» («Дизайн / Не дизайн»). Здесь акцент сделан на намеренной незаконченность и асимметрию. Образы напоминают абстрактные скульптуры.
В третьей части, которая называется «Fashion / Anti-Fashion» — «Мода / Антимода», представлены ранние работы дизайнера 1980-х годов. Это оверсайз, ассиметричные силуэты времен ее первых Парижских шоу, когда черный цвет стал ассоциироваться с Рей, а также были заданы основные мотивы будущих работ дизайнера: уникальность личности, красота, женственность.
Четвертая часть — «High / Low» — «Модель / Множественность» с образами из коллекции «Abstract Excellence». Эта выставка состояла из 34, с виду абсолютно одинаковых, но на самом деле различных между собой юбок, и поднимала вопрос индивидуальности и тиража. Пятая часть, называемая «Model / Multiple» — «Высокое / Низкое», противопоставляет элитарное и «низкопробное», используя контрасты в двух своих коллекциях: «A Motorbike Ballerina» и «Bad Taste». Так, в первой коллекции мы видим совмещение балетных пачек с байкерскими куртками, а во второй — сочетание панка и фитишистских элементов. Все это подрывает иерархию модных ценностей, а также подрывает разделение моды на высокую и массовую.
В шестой части — «Then / Now» — «Тогда / Сейчас» — Рэй Кавакубо смотрит на моду через призму времени, переосмысляя историческую одежду. Например, силуэты платьев XIX века и элементы традиционной японской одежды приобретают сломанные, асимметричные формы, неожиданные разрезы и драпировки. «Self / Other» — «Я / Другой» — седьмая часть, которая внутри себя делится еще на три маленькие подтемы: «Child / Adult», «Male / Female» и «East / West». Так, в «East / West» дизайнер смешала западные и восточные традиции, в «Male / Female» использовала элементы, традиционно ассоциирующиеся с разными полами и сочетала их в одном ансамбле, а в «Child / Adult» Рэй Кавакубо создала образы, как бы предназначенные для взрослых людей, полностью из фетра.
Восьмая часть — «Object / Subject» — «Объект / Субъект». Рэй Кавакубо создала коллекцию, размывающую границу между одеждой и телом. На платьях дизайнера мягкие конструкции, наполненные гусиным пухом. Они словно поглощают, деформируют тело, меняя его нормативные устои. Последняя часть выставки называется «Clothes / Not Clothes» — «Одежда / Не одежда». Эта коллекция показывает одежду как часть перфоманса. Она создана не для того, чтобы ее носили: в образах мы видим архитектурность, ассиметричность и громоздкие силуэты. Это одежда, которая отказывается быть одеждой: она не подчёркивает тело, а переосмысляет его.
All in all
В конечном итоге, можно прийти к выводу о том, что институциональная критика в музеях моды есть, и она активно используется дизайнерами. Так, на примере работы Рэй Кавакубо, можно увидеть, как модная выставка теперь не просто способ продемонстрировать одежду как исторический костюм, а художественный прием, устремленный подорвать привычные устои индустрии. На выставке «Art of the In-Between» дизайнер критикует навязанные модой нормы человеческого тела, затрагивает вопросы об индивидуальности изделий, подрывает иерархию модных ценностей, а также заставляет зрителей «проанализировать одежду» и увидеть в образах философское высказывание.
Критика модной прессы и индустрии репрезентации
Martin Parr
Мартин Парр — британский фотограф-документалист, известный своим провокационным стилем: его съемки направлены на то, чтобы показать общество и его ценности в настоящем свете. Это не идеальная в привычном понимании картинка, а показывающая людей такими, какие они есть — без пафоса и с юмором. С 1994 г. Мартин Парр является членом агентства Magnum Photos. С конца 1990-х фотограф начал заниматься созданием съемок для журналов и брендов, интересоваться индустрией, сохраняя при этом такую нетипичную для моды стилистику.
Так, в фотопроекте « Luxury», созданный Мартином Парром в 2000-х, он документирует людей на модных вечеринках, мероприятиях и на закулисье фэшн-показа. В этой серии Мартин Парр использует институциональную критику в качестве художественного приема, подрывая наше ожидания о красивой картинке и об идеальных людях на мероприятиях, на которых все должны казаться безупречными. Он критикует логику глянца, репрезентацию роскоши и индустрию потребления, стирая ее идеальность и пафосность. В последствии эту серию можно было приобрести в формате фотокниги и увидеть на выставке Мультимедиа Арт Музея (МАММ) в 2013 году.
В 2018–2019 годах Мартин Парр сделал несколько съемок для бренда Gucci. Это был кампейн для наручных часов, называющийся #TimeToParr, для которого фотограф объехал девять «Gucci-Places» по всему миру: магазинов, флагманских точек и культовых локаций — и снял людей с часами бренда, а также фотосъёмка для круизной коллекции Gucci 2019 в Каннах, итогом которой стала лимитированная фотокнига WORLD (The Price of Love), изданная брендом. В своих работах Мартин Парр не занимался копированием трендов, но использовал свой визуальный язык. В этих съемках есть элементы интституциональной критики, ведь фотограф внедряет в ожидаемо-глянцевую картинку свой сатирическо-документальный стиль. В обоих съемках Мартина ключевой акцент — на людях, а не на одежде. Мы видим их живыми и настоящими, несмотря на всю ту роскошь, которую подразумевает такой большой модный дом с историей. Кроме того, Мартин Парр таким образом размывает границу между элитой и «серой массой», показывая, как все эти люди органично находятся в одном месте.
Barbara Kruger
Барбара Крюгер — одна из самых важных художников и дизайнеров 1970-х годов. Барбара начала свою карьеру с модных журналах, таких как Mademoiselle и House & Garden, но затем превратила язык глянца в инструмент критики модной институции.
Рассмотрим несколько работ дизайнера, которые наиболее полно отражают критику институции. Так, «I shop therefore I am» 1987 года —переосмысление фразы «Cogito ergo sum» —«Покупаю — значит существую». В этой работе Барбара критикует возвышение механизма фэшн-индустрии, которая постоянно транслирует нам идею того, что предметы моды и роскоши необходимы нам для счастливой жизни и существования в целом. В другой своей работе, которая называется «Your body is a battleground» 1989 года, Барбара высказывается об объективизации женского тела в модной индустрии, тем самым критикуя одну из главных проблем моды, которая и создает давление на женщин через стандарты красоты.
All in all
В заключение хочется сказать, что такой художественный прием, как институциональная критика, в модной прессе и индустрии репрезентации является эффективным методом поднятия важных для институции вопросов через использование её собственных инструментов. Благодаря таким творцам, как Мартин Парр и Барбара Крюгер, мы переосмысляем модную фотографию и язык фэшн- рекламы.
Заключение
В заключение хочется сказать, что институциональная критика в моде — это совокупность художественных, визуальных и медийных стратегий, направленных на переосмысление и подрыв устоев и стандартов модной институции. В данном исследовании были проанализированы три направления критики, такие как институцианальная критика в брендах и показах, музейная институциональная критика и критика модной прессы и индустрии репрезентации. На основе работ таких творцов, как Рей Кавакубо, Мартин Парр и Барбары Парр, а также таких брендов, как С. С.P. и Avavav можно увидеть, что мода уже давно перестала быть просто индустрией, производящей одежду. Она превращается в поле дискуссий, в котором дизайнеры, кураторы, фотографы и художники работают с вопросами идентичности, телесности, производства и медийного влияния.
