Как анимация стала частью музыкальных клипов

1. Концепция
2. Какой была музыка и анимация до появления понятия музыкального клипа
3. Промо-видео музыкантов
4. MTV и превращение клипа в визуальное искусство
5. Андеграундная анимация 1990-х
6. Расцвет авторской эстетики в клипах
7. Как группа из «нарисованных людей» стала влиять на музыку больше, чем реальные музыканты
8. Заключение
9. Библиография
10. Источники изображений

Музыкальные клипы давно перестали быть просто рекламным инструментом для продвижения треков. Они превратились в уникальное искусство.

Истоки уходят еще в эпоху раннего звукого кино, когда серия короткометражек «Silly Symphonies» Уолта Диснея впервые показала как работает точная покадровая синхронизация музыкального ритма и рисунка. Позже, на рубеже шестидесятых и семидесятых годов, появились первые прототипы современных клипов. Это были простейшие анимационные ролики для телевизионных эфиров популярных групп. Настоящий же прорыв произошел в 1981 году с запуском телеканала MTV. В условиях жесткой конкуренции музыканты и продюсеры искали самые эффектные визуальные решения.

В девяностых использование анимации стало более концептуальным. В традиционных мультфильмах музыка лишь подчеркивала развитие сюжета, а в музыкальном клипе анимация стала подчиняться настроению и ритмической структуре песни. Исполнители осознали, что рисованный мир полностью освобождает их от рамок физической реальности, погоды или огромных трат на декорации. Музыканты разных жанров обращались к графике, чтобы передать глубокий символизм, внутреннюю тревогу или протест. На экранах начали смешиваться самые разные подходы, начиная от классической диснеевской школы и экспрессивной рисованной анимации до кукольного или пластилинового стоп-моушена.

До появления MTV и привычного музыкального клипа связь музыки и изображения уже активно развивалась в экспериментальном кино и анимации. Еще в 1920–1930-е годы художники и режиссеры пытались найти способ увидеть музыку через форму, цвет и движение. Эти эксперименты позже повлияли на развитие музыкальных клипов. В то время музыка не сопровождала певца или группы, а сама становилась главным объектом визуального исследования. Художники стремились создать гармонию между звуком и изображением, превращали кино в особый визуально-музыкальный ряд.

Одним из главных пионеров визуальной музыки считается Оскар Фишингер. Его творчество стало примером того, как абстрактная анимация может передавать музыкальные ритмы и эмоции без использования сюжета или персонажей.Он переводил звук в цвет, движение и геометрические формы. Особенно ярко эта идея проявилась в фильме An Optical Poem. Эта работа была создана под музыку Ференца Листа «Венгерская рапсодия № 2». На экране зритель видит движение кругов, линий и фигур, которые танцуют в ритме музыки. Интересно, что для создания фильма Фишингер использовал очень простые материалы, цветную бумагу, проволоку и покадровую съемку.

Продолжателем идей Фишингера стал канадский режиссер Норман Макларен. В своей работе "Begone Dull Care" он довел синхронизацию изображения и звука до очень высокого уровня. Фильм был создан под джазовую музыку трио Oscar Peterson Trio и представляет собой поток линий, пятен, царапин и цветовых вспышек, движущихся в ритме музыки. Экран здесь напоминает живую картину, постоянно меняющуюся под звуки джаза. В фильме можно заметить, как разные инструменты получают собственные формы. Бас сопровождается красными акцентами, а фортепианные партии превращаются в вспышки.

Серия мультфильмов «Глупые симфонии» стала одним из самых важных этапов в истории мировой анимации и во многом повлияла на то, как музыка начала взаимодействовать с изображением. «Silly Symphonies», созданные студией Walt Disney Productions изначально задумывались как музыкальные короткометражные фильмы, в которых сюжет строился вокруг ритма, мелодии и движения.

Первым фильмом серии стал "The Skeleton Dance". Этот короткометражный мультфильм считается революционным для своего времени. В нём использовались произведения Сен-Санса и Эдварда Грига, переработанные Карлом Столлингом специально под анимацию. История была простой. Ночью на кладбище оживают скелеты и начинают танцевать. Но главным здесь был не сюжет, а то, как движение полностью совпадало с музыкой. Каждое действие персонажей соответствовало музыкальному ритму. Именно этот принцип позже получил название Mickey Mousing, техника абсолютной синхронизации движения и звука.

Главным примером соединения музыки и анимации стал фильм Yellow Submarine, вышедший в 1968 году. Его можно спокойно разделить на песни и получить независимые анимационные клипы. Режиссёром картины стал George Dunning. Вместо реалистичных персонажей зрители увидели яркие плоские фигуры с преувеличенными пропорциями, длинными ногами, большими руками и карикатурными чертами лица. Такой стиль был связан с популярными в то время направлениями поп-арта. Фильм ориентировался на взрослую аудиторию, особенно на молодежь и представителей культуры хиппи. Улицы и здания создавались на основе обработанных фотографий, а движение людей делалось при помощи зацикленных кадров с реальными актёрами. Благодаря этому фильм выглядел очень необычно и даже сюрреалистично.

Одним из самых известных эпизодов фильма стала сцена с песней "Lucy in the Sky with Diamonds". Именно здесь особенно ярко проявились эксперименты с анимацией. Создатели использовали технику ротоскопирования, метода при котором движения реальных людей перерисовываются в анимационный формат.

Pink Floyd всегда считались очень визуальной группой. Еще до эпохи музыкальных телеканалов группа использовала анимацию и специальные видеоэффекты во время своих концертов. Одной из самых известных работ стало анимационное видео к песне “Welcome to the Machine”, выпущенной в 1975 году. Изначально анимация была создана как фоновое видео для концертного тура, но позже стала полноценным музыкальным клипом.