Предметы повседневности в контексте выставок современного искусства.

На протяжении всего времени существования искусства, мы задаёмся вопросом «Что является искусством?». Неосведомлённый зритель часто ассоциирует слово «искусство» с чем-то классическим, например, картиной романтизма или античной статуей. Это не вызывает недоумения. Особенно, если картина находится в музее и на ней изображены понятные сюжеты, это не порождает большого количества вопросов у человека, и он может на базовом уровне судить, нравиться она ему или нет. Однако искусство давно вышло за рамки классического его понимания. Современные произведения сами по себе и так довольно часто вызывает смешанные чувства: абстрактные формы, непонятные объекты, наличие минимальной палитры цветов и тд (форм выражений может быть множество). Но что происходит с нашим восприятием, когда искусством становятся предметы, знакомые нам на ежедневной основе? В какой-то момент чашки, стулья, одеяла, упаковки питания перестают быть исключительно частью бытового окружения и становятся регулярными участниками художественных выставок. И именно их появление вызывает еще больший ряд вопросов: что отличает «обычный» объект от «художественного»? Как смена контекста трансформирует смысл вещи? Почему и как выставочное пространство легитимизирует повседневность как объект искусства? Ключевой вопрос моего визуального исследования: как повседневные предметы интегрируются в выставки современного искусства?

Для начала, думаю, нужно в целом определиться с пониманием этого самого «объекта», какими они бывают. Художник может напрямую перенести предмет в выставочное пространство. Вещь может остаться в своём привычном виде и помогать зрителю задуматься о сущности самого объекта. В другом случае он может быть видеоизменён, например, поставлен в необычной положение или соединён с другими объектами, наделяя новым смыслом. Кроме того, есть и вариант имитации предмета, к примеру воссоздание образа объекта в другом материале, но продолжая быть узнаваемым. Далеко не во всех случаях художнику обязательно что-то делать своими руками, важнее наделить предмет смыслом и личной интерпретацией. По сути, в данном случае автор занимает место критика, который не создаёт, а утверждает, что именно является искусством. Это довольно интересная смена ролей.

Не менее важным фактором является пространство, в котором находятся объекты. Особое внимание этому уделяется в книге Брайана О’Догерти «Внутри белого куба. Идеология галерейного пространства.» Автор утверждает, что идеальная галерея очищает пространство от всего лишнего, что может помешать выстроить связь с предметом : «Искусство здесь свободно, оно, как говорится, «живет своей жизнью». Какой-нибудь столик может оказаться единственным предметом мебели. В таком контексте почти сакральным объектом становится напольная пепельница, да и пожарный рукав в современном музее выглядит не как пожарный шланг, а как эстетическая головоломка.»

Ключевыми личностями при формировании нового понятия объекта искусства стали Дюшан и Энди Уорхол. Марсель Дюшан негативно относился к «сетчаточному искусству» (произведениям, который радуют глаз) и ввёл понятие реди-мейдов.

Самый известный реди-мейд Дюшана это писсуар, лежащий на спинке. Этим жестом Дюшан показал, что важны не только форма и красота, но и выбор художника, название и место, где находится предмет. Он объяснял, что выбирал объекты для своих работ не с точки зрения эстетического удовольствия, а основывался «на реакции зрительного безразличия и на отсутствии хорошего или плохого вкуса». Появление реди-мейдов стало настоящим вызовом для эстетической теории. Дюшан не просто высмеивал культ красоты, но и ставил под сомнение сами границы искусства. Его жест показал, что обычный предмет можно превратить в произведение искусства не через ручную работу, а через выбор художника и смену контекста. Сам Дюшан говорил: «Вполне возможно, понятие реди-мейда — это самая значимая идея, возникшая в результате моей работы»

Одной из самых важных выставок того времени, касающейся тема обыденных предметов в контексте современного искусства стала выставка «Американский супермаркет» 1964 года, на которой художники поп-арта такие как Роберт Уоттс, Том Вессельман, Клас Ольденбург и Энди Уорхол представили свои работы. Для этой экспозиции галерея превратилась в настоящий магазин с прилавками, указателями и турникетом, а на полках помимо работ художников, лежали настоящие продукты.

Что касается Энди Уорхола, он продолжает тенденцию, созданную Дюшаном, но немного в другом смысле. Он не стремится надругаться над эстетикой, а скорее видит её в повседневности. Уорхола привлекал коммерческий и массовый мир именно своей обыденностью и внешней простотой. Его работы показывают, что повторяемость, серийность и внешняя простота не недостаток, а главный принцип современного визуального мира.

Один из самых простых способов интеграции повседневного предмета в эстетическую плоскость является перенос объекта в музейное пространство без каких-либо преображений. Само нахождение предмета на выставке может вызывать вопросы и наталкивать на мысли о сущности того или иного объекта. Кроме того, у зрителя может появиться желание повзаимодействовать с экспонатом (если это возможно) оценить на ощупь. Это довольно интересное наблюдение, так как, казалось бы, мы уже понимаем, каким будет это прикосновение, мы знакомы с этим предметом, но другой контекст обостряет чувства и дарит новый опыт с объектом, который, возможно, и встречается в повседневной жизни.