Резиновый стиль и визуальный ритм американской анимации (1928–1935)

1. Концепция
2. Введение
3. История и происхождение
4. Ключевые характеристики резинового стиля
5. Steamboat Willie (1928) «Пароходик Вилли»
6. The Skeleton Dance (1929, Walt Disney Studios) «Танец скелетов»
7. Swing You Sinners! (1930, Fleischer Studios)
8. Bimbo's Initiation (1931, Fleischer Studios) «Инициация Бимбо»
9. Betty Boop's Snow White (1933, Fleischer Studios) «Белоснежка Бетти Буп»
10. Flip the Frog: Fiddlesticks (1930, Ub Iwerks Studio)
11. A Dizzy Day (1933, Van Beuren Studios) «Головокружительный день»
12. Упадок резинового стиля
13. Заключение
14. Библиография
15. Источники изображений

Американская анимация с конца 1920-х и середины 1930-х годов находилась в поиске новых средств выразительности. Мультипликаторы искали разные средства, чтобы создавался динамичный визуальный ритм, и в своих поисках они пришли к резиновому стилю. Как основа визуального языка рисованной покадровой мультипликации он продержался недолго, но его влияние сохранилось и практически сто лет спустя. Современные аниматоры используют в своих произведениях оммажи к анимации 1930-х, и потому я выбрала эту тему в качестве визуального исследования.

Для оптимального изучения данной темы в качестве визуального материала, мною были выбраны следующие произведения: Steamboat Willie (1928, Walt Disney Studios), The Skeleton Dance (1929, Walt Disney Studios), Swing You Sinners! (1930, Fleischer Studios), Bimbo’s Initiation (1931, Fleischer Studios), Betty Boop’s Snow White (1933, Fleischer Studios), Flip the Frog: Fiddlesticks (1930, Ub Iwerks Studio), A Dizzy Day (1933, Van Beuren). Именно на примере этих произведений можно наиболее точно проследить развитие резинового стиля, его эволюцию в рамках достаточно небольшого временного периода и проанализировать то, как аниматорам удавалось создавать необходимый визуальный ритм.

Структура данного визуального исследования предполагает деление работы на три части. Первая часть представляет собой введение, в рамках которого мною будут описаны особенности резинового стиля в анимации. Во второй части будут проанализированы указанные выше произведения. В третьей заключительной части будут сделаны выводы по исследованию и обозначено то, как резиновый стиль анимации влияет на произведения современной культуры.

В качестве источников информации мной были рассмотрены различные статьи на русском и английском языках, в которых описывается как история развития анимации резинового стиля, так и то какие задачи решали мультипликаторы используя этот стиль. Но в первую очередь главным источником информации все же остаются сами анимационные произведения, которые находятся в свободном и бесплатном доступе.

Ключевым вопросом данного исследования выступает то, как именно аниматоры 1920-30-х годов добивались необходимого визуального ритма в своих произведениях, какие приемы они использовали, чтобы движения их персонажей сочетались с модной на тот момент музыкой, и то как им удавалось вызывать сложные и смешанные эмоции у зрителей при помощи как средств резинового стиля анимации, так и подхода к мультипликации в целом.

Резиновым стилем называют первую устоявшуюся систему визуальной стилизации в анимации, которая появилась в конце 1920-х годов и в дальнейшем еще долгие годы оказывала влияние на развитие американской анимации в целом. Этот уникальный визуальный язык создавался на пересечении технических ограничений эпохи и творческого эксперимента.

Истоки этого стиля восходят к творчеству Винсора МакКея, создателя «Gertie the Dinosaur» (1914) и «The Sinking of the Lusitania» (1918), чьи работы демонстрировали плавные, естественные движения персонажей в кадре. Массовую же популярность резиновому стилю принёс Felix the Cat, созданный Пэтом Салливаном и Отто Мессмером в 1919 году. Феликс стал настолько популярен в мире анимации тех лет, что в дальнейшем многие аниматоры заимствовали приёмы и подражали его стилю.

Персонажи обладали бессуставными конечностями, нарисованными как плавные кривые линии, которые могли изгибаться, растягиваться, надуваться и скручиваться всевозможными образами. Это не только облегчало анимацию, но главное позволяло создавать визуальные гаги, невозможные в реальности или в кино.

Дизайн персонажей осуществлялся при помощи простых округлых форм с минимальными деталями. Это ускоряло процесс рисования и позволяло производить больше кадров в установленные сроки. Помимо этого, аниматорами создавались преувеличенные глаза и улыбки. Так появился термин глаза-пирог. А быстрые и динамичные движение должны были создавать атмосферу веселья. Дополнительной визуальной чертой эпохи, которая осталась с персонажами еще на долгие годы, было рисование им белых перчаток. Таким образом, кисти рук персонажей контрастировали с телом и было легче передать активные жесты и настроение героев.

Если же говорит о визуальном ритме в мультипликации данного периода, то стоит отметить то, как движения персонажей синхронизируются с музыкой. В отличие от ранних произведений, где звук добавлялся к готовому фильму, новая логика построения анимации предполагала, что музыка должна предшествовать визуальному контенту.

Пароходик Вилли — это первый по-настоящему синхронизированный звуковой мультфильм, созданный в 1928 году. Главный аниматор картины Аб Айверкс воплотил в этом мультфильме все основные черты резинового стиля. Тела и конечности персонажей растягиваются и деформируются всевозможными образами.

Главные герои, а именно Микки и Мини Маусы используют все, что их окружает в том числе и одушевлённых персонажей в качестве музыкальных инструментов. Они растягивают их, задают им необходимую форму и всячески с ними взаимодействуют. В мультфильме показаны кульминационные сцены синхронизации, где действия персонажа напрямую соответствуют музыкальным нотам.

Главным аниматором как и в рассмотренным ранее мультфильме является Аб Айверкс. Он под руководством режиссёра Уолта Диснея уже через год создаёт несколько жуткий мультфильм, повествующий о вышедших из могил скелетах, которые под покровом ночи танцуют и музицируют. Мультфильм стал первым в серии "Silly Symphonies".

Есть мнение, что именно композитор Карл Столлинг, написавший музыку для этого мультфильма, и придумал саму идею анимационной короткометражки о танцующих скелетах. Основным техническим прорывом можно считать у него создание системы "click-track", разработанной Карлом Столлингом, которая представляет собой устройство, создающее слышимый ритм для музыкантов во время записи саундтрека. Важно отметить как движения костей скелетов синхронизированы с музыкой. Во время озвучивания мультфильма музыканты создавали инструментами звукоподражания ударам костей. Мультфильм использует симметрию, повторение и преувеличение — все ключевые инструменты резинового стиля. Четыре скелета часто движутся синхронно, создавая визуальный паттерн, который усиливает музыкальный ритм. Каждое движение либо совпадает с музыкальной нотой, либо выполняет роль визуального аккорда.

Аниматор Аб Айверкс хотел сделать мультфильм более веселым, чем пугающим. В итоге, на анимацию всего мультфильма Абу потребовалось 6 недель. Создатели мультфильма шли на риск, выпуская в прокат практически первый мультфильм в истории в жанре ужасы, где можно заметить отсылку к «danse macabre» (танец смерти). Но в позднее мультфильм приобрел успех и стал особенно популярен в празднование Хеллуина.