Визуальное восприятие искусства

I. КОНЦЕПЦИЯ II. ЦВЕТ III. РИТМ IV. ФАКТУРА И ПОВЕРХНОСТЬ V. ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Сегодня люди стремятся все понять, расшифровать и объяснить. Особенно в искусстве: появляется все больше различных теорий, анализов произведений, их сюжетов, исторического и политического контекста, взаимосвязи с биографией художника и его личным опытом. Много символизма и непримечательных деталей, о которых все пытаются непременно узнать. Человека в первую очередь стало волновать содержание. Как писала Сьюзен Зонтаг в своем эссе «Против интерпретации»: «Но по-прежнему предполагается, что произведение искусства есть его содержание. Или, как формулируют у нас сегодня, произведение искусства по определению что-то говорить». А должно ли оно вообще что-то говорить? Нести какой-то важный смысл разве является обязательным критерием для произведения искусства? Когда форма стала менее значимой, а на первый план вышло содержание? Мне стало интересно, а существует ли это содержание искусства в принципе? Мы можем узнать все про произведение, прочитать все статьи, мнения, интерпретации историков искусств, которые будут рассматривать труд автора с точки зрения давно выверенных элементов. Но даст ли нам это приблизиться к «истинному» смыслу? Или каждая новая интерпретация лишь создаёт очередную стену между зрителем и самим изображением? А интерпретаций существует огромное количество, так как каждый видит то, что хочет видеть и воспринимают разные люди все с разных ракурсов. Из-этого этих «стен» становится настолько много, что человек начинает теряться, забывая про свое собственное восприятие.

Я захотела посмотреть на произведения искусства без этого перевода, мыслей и догадок о том, а что хотел сказать нам автор, искать связь с его личной жизнью или, например, историческим контекстом той страны, в которой он жил на момент создания работы.

Целью моего исследования является прочувствовать искусство по-настоящему, как писала Зонтаг: «испытать свет самой вещи, вещи такой, какова она есть». Без интерпретаций. Посмотреть как будто на него под другим углом. Ведь все хотят смотреть на произведение, «понимая» его. А что если просто смотреть и получать удовольствие от этого непонимания? Смирится с тем, что в большинстве случаев произведение искусства больше тысячи раз интерпретировано, а это значит - изменено. Поэтому, возможно стоит отбросить попытку все расшифровать и оставить себя наедине с чистым поверхностным восприятием и исключительно визуальным переживанием, чтобы прожить искусство чувственно, всем своим телом. Важно принять тот факт, что произведение может на нас давить, беспокоить, вызывать тревогу. И не пытаться это объяснить или исправить, а оставить, как есть, потому что в этом его ценность и заключается.

Ключевой вопрос моего исследования: возможно ли переживать искусство только чувственно, без поиска его скрытых смыслов и значений? Я хочу узнать, каково это смотреть на предмет искусства и видеть исключительно его поверхность и чистую непосредственность. Узнать, каким образом оно будет действовать, если не думать о его содержании.

Свое визуально исследование я хочу структурировать на главы, посвященные тем элементам, через которые наше тело воспринимает искусство прежде чем мозг начинает искать в нем смысл. Ведь произведение может восприниматься не как сообщение и действовать на зрителя не через объяснения или интерпретации, а только визуально. Например, через цвет, ритм и свою поверхность. Каждая глава в моем исследовании - это один способ, благодаря которому мы видим сначала форму, а содержание уходит на второй план.

Для написания моего исследования я использовала такие текстовые источники, как: эссе «Против интерпретации» Сьюзен Зонтаг, книги и подкасты о современном искусстве, научные материалы и статьи о визуальных составляющих художественных произведений, а также тексты по теории искусства и визуальной культуре.

При выборе материала для визуального исследования я отдавала предпочтение работам современного искусства, которые привлекают внимание именно своей формой, на которые хочется смотреть, а не стараться понять. В моем исследовании будут преобладать произведения абстрактной живописи, экспрессионизма и другие работы, благодаря которым мы получаем визуальный опыт через их через цвет, ритм и фактуру.

Я хочу начать свое исследование с самого главного элемента для визуального восприятия - цвета. Он действует на нас раньше остальных и его трудно расшифровать, но можно прочувствовать. Рассмотрим, как действует цвет в живописи Марка Ротко и Ива Кляйна.

«Картина не изображает некий опыт, но является опытом», — утверждал художник в одном из интервью. Через его работы мы можем ощутить прямое воздействие цвета. Нет содержания, нет символов, только цвет, который самостоятельно заполняет собой все пространство и говорит со зрителем. Человек оказывается в этом пространстве и не видит там ничего: какого-то маленького изображения предмета или даже непримечательной детали, этого просто нет.

Художник мастерски освободил цвет из формы. В его живописи просто нечего расшифровывать. Ее необходимо чувствовать. Более того, Ротко хотел, чтобы зрители медитировали перед его работами. Для этого нужно встать настолько близко к картине чтобы только цвет был в поле зрения, перестать думать и начать чувствовать.

Благодаря его изображению цвета, мы можем находиться наедине с той истиной, с тем опытом, который дает нам картина, переживать эмоции и получать важный визуальный опыт вместо бесконечного поиска смыслов в ней. Смотря на цвет в его работах, мы испытываем разные чувства: тревоги, погружения, вытеснения, спокойствия, состояние счастья или ужаса.

Огромные поля, полностью покрытые цветом вызывают у нас эти ощущения. В этом и заключается их ценность. На каждую его картину тело реагирует по-разному.

Рассмотрим его полотно «Без названия (Красный)» 1956 года. Оно заставляет зрителя погрузиться глубоко в свои чувства. Красный цвет дает нам как будто излишнюю эмоциональность, это буквально первое, что мы видим в работе. Ротко хотел этой эмоциональной связи зрителя и предмета искусства. И ему это удалось. Здесь нет контрастов и границ. Человек погружается в яркое, можно сказать даже огненное безмерное пространство. За счет своей цветовой палитры от картины веет теплотой, но и необъяснимым беспокойством. На работу интересно смотреть, наблюдая, за переходом ее оттенков, а также за своими личными ощущениями.

«Без названия (Красный) сияет уверенностью Ротко в том, что цвет можно использовать для создания настроения одновременно чувственного и духовного» - писал критик Мемори Холлоуэй в статье в газете The Age, 31 июля 1982 года.

На работе 1953 года у Ротко преобладает синий цвет и его оттенки. Картина под названием «№ 61 (Ржавый и голубой)» - мощное произведение в эмоциональном плане. Здесь так же видим поля примерно в одном цветовом тоне, которые мягко сливаются с фоном, что создает ощущение пространства для зрителя. Но правда в этом произведении Ротко отдает предпочтение более темным оттенкам: прямоугольник ржаво-красного оттенка наверху, светло-синий под ним и сине-фиолетовый в самом низу. Но несмотря не на столь яркие цвета, полотно как будто светится. И мы смотрим сквозь разные оттенки в самую глубину картины. Ротко создал идеальное сочетание теплого словно тлеющего коричневого цвета и глубокого яркого синего. Одновременно вызывает чувство спокойствия и волнения, которое невозможно описать, а можно только прочувствовать через это полотно.

А в своей картине Оранжевый и жёлтый» 1956 года Марк Ротко достигает уже идеального свечения. Мы видим желтый и оранжевый прямоугольники, которые лишены четких границ. Их размытый контур теряется на светло-оранжевом фоне. Это одна из самых ярких работ художника. Перед зрителем она и вправду светится, как будто за ней спрятан невероятный солнечный луч, проникающий сквозь полотно. Картина имеет настолько простой визуальный язык, что зрителю остается только ощущать ее цвета и оттенки, не придумывая себе лишние объяснения, которые станут только преградой между искусством и зрителем.

Ротко создал росписи для капеллы при католическом Университете Святого Фомы в Хьюстоне. И это не просто отдельные работы - это огромное цельное произведение искусства, которое обладает сильной эмоциональной напряженностью снова за счет главного художественного элемента Ротко - цвета, который с годами у художника становился как будто все мрачнее и даже депрессивнее. Капелла заполнена работами огромных размеров - три триптиха и пять картин в самых темных оттенках мастера. Изначально наш глаз видит практически черные, монохромные работы, но постепенно нам открываются и другие цвета, которые воздействуют на психику и говорят с нашими ощущениями напрямую. Зритель растворяется в этой бесконечной тишине и погружается все глубже в работу, находя новые сочетания почти угасающих оттенков. Это человеческое переживание, которое не хочется прерывать. Как говорила коллекционер искусств и филантроп Доминик де Менил про эту работу: «Самый темный час — перед рассветом».

Монохромные работы Ива Кляйна были не только в фирменном синем цвете, но и в розовом (Monopink), который воспринимается совершенно иначе. От него ощущения намного теплее и чувственнее. В цвете есть особенная близость, гармония и ощущение присутствия по сравнению с безграничным и таким свободным синим.

У Кляйна есть картины, в которых эти два настолько разных пигмента изображены вместе. Посмотрим ближе на произведение его позднего периода - FC17 1962 года. Художнику разрешили использовать для своих работ оборудование французской лаборатории Gaz de France в Сен-Дени, чтобы он добился идеального цвета огня и передал зрителю ощущение мощности и величия этой стихии. Как будто только что прошел мощный огонь и оставил свой след на его картинах. Мы видим яркий, золотистый оттенок с обожженными краями и копотью, который создает ощущение только что прошедшего разрушения, пустоты после взрыва. Но в центре появляются два ключевых цвета в творчестве Кляйна - розовый и синий. Они как будто хотят воссоединиться, но их отделяет друг от друга вертикальная линия - такой же след от воздействия пламени. Зритель не видит саму трагедию, он видит только то, что после нее осталось. Цвета художника не могут не привлекать внимание и не вызывать ощущения в теле похожие на напряженность, непонимание и долгую тишину после крушения. На эту работу Ива Кляйна можно смотреть бесконечно и каждый раз обращать внимание, как по-новому раскрывается цвет и как меняется духовное состояние. Художнику был важен не сюжет, а процесс изображения стихии на полотне и человеческое ощущение от него.