Цветы - неотъемлемая часть нашего мира. Испокон веков они украшали нашу жизнь, лечили нас, а в произведениях можно заметить порой даже сказочные мотивы. В одном маленьком цветке можно разглядеть нежность, хрупкость, легкость, а иногда даже грусть и опасность.
В своем исследовании я хочу раскрыть образ разных цветов в картинах художников ХХ века. Как он изменялся и как один цветок мог раскрываться с разных сторон. И как количество цветов изменяет смысл картины. За совсем небольшой срок, мы сможем рассмотреть с самых разных сторон.
Не каждый способен разглядеть всю красоту и нежность, которые цветы привносят в картину. Не каждый может понять смысл, который они в себе несут, но я очень надеюсь, что это небольшое исследование, поможет пробудить легкие и прекрасные чувства к картинам, на которых изображены цветы.
Рубрикатор исследования
- Выбранные виды для исследования
- Сердце сада
- Солнечный цветок
- Душа весны
- Подведение итогов
Великая тройка
В современном мире в цветочных магазинах мы видим самые различные и необычные цветы, их разнообразие не может не удивлять, а весной бабушки продают чудесные букеты ландышей и нарциссов.
Но раньше художники отдавали предпочтения определенным видам цветов, которые чаще всего мы видим на картинах. Они имеют разные посылы и значения.
В своем исследование я разберу 3 вида цветов, которые чаще всего встречаются нам на картинах: роза, подсолнух и сирень
Сердце сада
Роза один из самых прекрасных цветов. Ее изюминка заключается не только в невероятном соцветии, которое может быть самых разных цветов, но и в острых шипах на стебле, которые могут сильно навредить.
Она не теряет своей актуальности до сих пор. Букет из кроваво-красных роз считается не стареющей классикой, а если девушке не нравятся красные, то как альтернативу часто дарят белые или желтые.
Со временем роза приобретала все больше новых значений и смыслов, которые художники непременно отображали в своих картинах.
1. «Психея, открывающая дверь в сад Амура» Джон Уильям Уотерхаус 1903 2. «Душа розы» Джон Уильям Уотерхаус 1908
Роза на языке цветов — главный символ любви, страсти, порыва, ярких и пылких чувств, но в тоже время символ опасности и жестокости
Роза — один из самых нагруженных смыслами символов в XX веке. Этот мотив пережил глубокую трансформацию: от любви и красоты — к знаку женской хрупкости и абстрактной чистой формы.
Гигантская алая роза с каплей росы парит над пустынным пейзажем, а под ней — две совсем маленькие фигуры. Это одна из поздних работа Дали, нетипично «реалистичная» для сюрреалиста.
В своих картинах Дали часто вкладывал в розу символ романтического желания. Стоит обратить внимание, что соцветие здесь находится в самом центре картины. Художник строит картину вокруг этого образа. А контраст пышного цветка и безжизненной пустыни, говорит нам о бренности красоты и страсти.
1. «Белая роза» Джорджия О’Кифф 1927 2. «Медитативная роза» Сальвадор Дали 1958
Еще одна картина, которую я бы хотела рассмотреть "Белая роза". Очень неоднозначна и в свое время вызвала сильный резонанс. Джорджия О’Кифф известна своими масштабными картинами с крупным планом цветов. Она написала около 200 картин с изображением различных соцветий, в том числе и роз. К середине 1920-х годов О’Кифф начала писать крупномасштабные картины с близкого расстояния, применяя освоенные ею техники модернистской фотографии.
Многие люди видели в картинах эротический подтекст, а кто-то даже считал, что цветы являются женскими гениталиями.Другие видят в них знак женского самоутверждения, поскольку О'Кифф — одна из первых заметных женщин-художниц, которая вводила чувственную и феминистскую образность. При этом сама художница опровергала данные слова, комментируя замысел так: «Никто на самом деле не видит цветок — он так мал, у нас нет времени... Я сказала себе: я нарисую то, что вижу — то, чем цветок является для меня, но я нарисую его большим, и они будут вынуждены потратить время, чтобы посмотреть на него». Ее окончательный ответ критикам звучал так: «Я заставила вас потратить время, чтобы посмотреть на то, что я увидела, а когда вы потратили время, чтобы заметить мои цветы, вы повесили все ваши собственные ассоциации с цветами на мой цветок»
По сути картина стала своеобразным протестом. Где автор не вкладывает никакого подтекста в свою картину и изображает просто цветок.
1.«Розы на фоне моря» Константин Алексеевич Коровин 1930-е годы 2. «Розы и яблоки» Константин Алексеевич Коровин 1917
Одна из интереснейших картин, имеющих несколько отсылок: "Гробница борцов"
Огромная красная роза, заполняющая собой целую комнату — от пола до потолка, от стены до стены. И самое странное: название отсылает к роману Леона Кладеля «Омпдрайль, гробница борцов» о неразделённой любви и самоубийстве через удар кинжалом в сердце.
Здесь роза не является розой, потому что Магритт назвал картину «Гробница борцов» — это тот же ход, что и в его знаменитом «Это не трубка». Магритт писал, что около двух месяцев «искал решение того, что я называю „проблемой розы“». Он не просто меняет значение знака — он заставляет сам знак отказаться от себя. Роза становится головоломкой о несовпадении означающего и означаемого, о том, что в подсознании зрителя живёт не «роза», а целое поле невидимых ассоциаций (любовь, кинжал, смерть, гробница), которые активирует только название. Это роза как лингвистическая ловушка, а не как цветок.
1. «Гробница борцов» Рене Магритт 1960 2.«Удар в сердце» Рене Магритт 1952
К той же магриттовской «проблеме розы» относится и эта работа: одиночная роза, у стебля которой растёт стальной кинжал — органически, как ещё один шип. Магритт здесь исследует то, что он считал внутренним парадоксом, заключённым в розе.
Нестандартность очевидна: роза тут не просто несёт двойственность «красота — боль» (это банальная викторианская идея «удовольствие, смешанное с болью»). Магритт делает иначе: он показывает, что сама природа розы агрессивна. Шип не дополняет цветок — он перерастает в оружие. Это уже не аллегория, а почти биологический манифест: красота не противоположна жестокости, она выделяет её, как растение выделяет смолу.
В символическом плане роза перестаёт быть пассивным объектом любви и становится действующим лицом, способным ранить.
1. «Rosa e morte floriscens» Сальвадор Дали 1972 2."Последняя улыбка умирающей розы» Ховсеп Пушман 1920
Чтобы лучше проникнуться красотой картин, нельзя оставлять без внимания картины, в которых символ розы имеет нестандартную трактовку.
Одной из необычных произведений стала картина "Последняя улыбка умирающей розы" Ховсепа Пушмана. Мы привыкли, что цветок является символом новой жизни, новых начинаний или же красоты, которая только начинает раскрываться. На этой же картине роза безжизненная и увядающая. Она становится символом быстротечности времени и неизбежности утраты.
В работе «Сюрреалистические цветы» / «Rosa e morte floriscens» (1972) само название переводится как «цветущая смертью», а роза вырастает из выдвижного ящика, напоминающего гроб. Исследователи отмечают, что красный цвет розы у Дали несёт значение страсти, но связан и с ассоциациями смерти. Сам художник, по словам биографов, всю жизнь был одержим темой смерти, и роза вошла в его личный «словарь» наряду с тающими часами и муравьями. В картине Дали так же рассуждает о загробной жизни, что станет с его мыслями после смерти? Расцветут ли они, как роза?
1. «Череп коровы с ситцевыми розами» Джорджия О’Кифф 1931 2. «Натюрморт с черепом» Андре Дерен 1912
Подводя итоги, как же трактовался символ розы в ХХ веке уже можно сделать вывод, что он очень многогранный.
Конечно же, основный посыл это любовь страсть и влечение. Любовь может быть чуткая и искренняя, а может быть и похотная.
Но не стоит забывать, что роза также может быть и символом смерти и скорого ухода, мыслями или просто цветком
Солнечный цветок
1. «Подсолнухи» Игорь Эммануилович Грабарь 1937 2. «Подсолнухи» Борис Дмитриевич Григорьев ХХ век
Подсолнух на языке цветов — самый яркий символ солнца, жизнерадости, иногда плодородия, жизненную силу и энергию
Подсолнух — один из самых нагруженных символов в живописи XX века. Канон задал Ван Гог в 1888–1889 годах, именно после него подсолнух превратился в универсальную метафору, и каждый крупный художник нового столетия вынужден был выстраивать с ним свои отношения.
1. «Подсолнухи» Эгон Шиле 1911 2. «Подсолнух I» Эгон шиле 1908
Это, пожалуй, самое радикальное переосмысление мотива. Картина «Подсолнухи» отсылает к работам Ван Гога, но придаёт сюжету ощущение упадка и смертности — около метра высотой, она изображает поникшие подсолнухи на фоне пейзажа, над которым висит закрытое облаками солнце.
В отличие от солнца, подсолнух смертен, и для Шиле он был символом неизбежного увядания: цветущий в последние тёплые дни между летом и осенью, подсолнух распускается, чтобы умереть и оставить миру свои семена.
Символика цветка здесь - это хрупкость жизни, отчуждение, упадок «старого мира», это особенно остро читается на фоне распада Австро-Венгрии
1. «Sans Pierre» Джоан Митчелл 1969 2. «Sunflower III» Джоан Митчелл 1969
Подсолнух после Ван Гога превратился в один из самых символически перегруженных мотивов. Любой подсолнух XX века так или иначе цитирует Ван Гога, и критики почти автоматически считывают его как знак. Поэтому случаев «чистой» десимволизации почти нет. Зато мы можем рассмотреть самые необычные варианты трактовки
Например, для Джоан Митчелл подсолнухи были почти как люди. «Если я вижу поникший подсолнух, я могу поникнуть вместе с ним — и я рисую его, и чувствую его до самой смерти». И позже: «Подсолнухи — это то, что я чувствую очень сильно. Они так прекрасны, когда молодые, и так пронзительны, когда умирают»
Здесь подсолнухи это неудержимый поток энергии, неподвластной человеку, яркость, а самое главное, в них чувствуется жизнь.
«Подсолнухи» Джоан Митчелл 1990
