Русская сказка в иллюстрациях и театрально-декорационном искусстве
Рубрикатор
1. Введение 2. Сказки и иллюстрации Е. Д. Поленовой 3. Иллюстрации И. Я. Билибина 4. Иллюстрации С. В. Малютина 5. Создание новой орнаментальной культуры в русском стиле 6. Практическая реализация на современном этапе 7. Заключение
Введение
Русская сказка занимает особое место в культуре и искусстве. На протяжении многих веков она передавалась из уст в уста, менялась, обрастала новыми деталями, но при этом сохраняла свой характер и глубокую связь с народной жизнью. Благодаря сказке мы можем почувствовать атмосферу русского быта, увидеть традиции и обычаи прошлого, а также понять, каким видели мир наши предки. Поэтому художники разных эпох обращались к сказочным сюжетам, чтобы передать их красоту и открыть новые возможности для художественного языка.
В конце XIX — начале XX века интерес к русским корням усилился. Художники стремились создать собственный национальный стиль, основанный на народном искусстве, орнаменте и декоративных традициях. В это время появились яркие мастера, которые смогли переосмыслить сказочный материал и создать новый визуальный образ русской культуры. Среди них особенно выделяются Елена Дмитриевна Поленова, Иван Яковлевич Билибин и Сергей Васильевич Малютин. Каждый из них внёс важный вклад в развитие иллюстрации и театрально-декорационного искусства, сформировав уникальную художественную линию, на которую ориентируются и современные дизайнеры.
Работы этих художников не просто украшали книги — они создавали целый мир, наполненный орнаментами, бытовыми деталями, яркими персонажами и атмосферой праздника. Они изучали народный костюм, архитектуру, резьбу по дереву, тканые узоры и превращали эти элементы в узнаваемые художественные образы. Именно через сказочную иллюстрацию началось формирование новой орнаментальной культуры, которую сегодня называют «русским стилем».
Современные дизайнеры и художники продолжают обращаться к этому наследию. Мотивы русской сказки встречаются в театральных постановках, анимации, графическом дизайне, моде, предметных коллекциях и цифровой иллюстрации. Народные орнаменты и декоративные решения снова становятся актуальными, сочетаясь с современными технологиями и новыми средствами выражения.
Сказки и иллюстрации Е. Д. Поленовой
Поленова первой обратила внимание на то, что русские дети читают преимущественно иностранные сказки, и осознала необходимость создания национальной детской книги. В 1886 году она выполнила свои первые акварельные иллюстрации к русским народным сказкам, и с этого времени до конца жизни не оставляла этого труда. Для сюжетов она брала как уже опубликованные в сборниках А. Н. Афанасьева сказки, так и записи живого фольклора, которые собирала сама, путешествуя по деревням и экспедициям в различные губернии. Всего за двенадцать лет художница создала иллюстрации более чем к двадцати русским народным сказкам и поговоркам, причём преимущество отдавалось исконно русским, архетипическим сюжетам, не заимствованным из западноевропейских источников.
Абрамцевский цикл
Включает в себя сказки «Белая уточка», «Война грибов», «Морозко (Дед Мороз)», «Избушка на курьих ножках», «Лисичка-сестричка и волк», «Сивка-бурка (Иванушка-дурачок)», «Маша и Ваня» и другие. Эти произведения Поленова оформила в сравнительно реалистической манере, вписывая сказочное действие в узнаваемые пейзажи окрестностей Абрамцева. Для них характерны тёплые акварельные тона и внимание к природе, что сближает ранние сказочные иллюстрации с её же лирическими пейзажами. Из всех сказок первого цикла при жизни художницы вышла лишь одна — «Война грибов» (1889), изданная фототипией в чёрно-белом виде. Книга печаталась без цветной печати, поэтому Поленовой пришлось собственноручно раскрашивать оттиски акварелью, чтобы вернуть иллюстрациям задуманную цветность. Остальные её сказочные серии были опубликованы лишь посмертно.
Баба-Яга заманивает Филипко. 1896–1897 Эскиз иллюстрации к сказке «Сынко-Филипко»
Мальчик висит на облаке. 1896–1898 Эскиз иллюстрации к сказке «Отчего медведь стал куцый»
Эскиз к картине «Сказка» («Зверь»)
Эскиз иллюстрации к сказке «Дед Мороз»
Костромской цикл
создан позднее, под знаком стиля модерн. К нему относятся сказки «Сынко-Филипко», «Сорока-ворона», «Плутоватый мужик», «Жадный мужик», «Рыжий и красный», «Отчего медведь стал куцый», «Злая мачеха (Мачеха и падчерица)», «Козлихина семья», а также «Сказка о царе Берендее» и «Жар-птица». В этих работах ощущается отход от академического реализма в сторону более условного декоративного языка (см. ниже). Костромской цикл был издан только в 1906 году в Москве (И. Кнебель) — уже после смерти Поленовой — под заглавием «Русские народные сказки и прибаутки, пересказанные для детей и иллюстрированные Е. Д. Поленовой». Выход этой книги стал заметным событием: критика и художники сразу признали поленовские работы классикой отечественной книжной иллюстрации. Таким образом, хотя сами сказочные сюжеты почерпнуты из глубины народной традиции, их художественное воплощение оказалось новаторским и опередило своё время.
Сорока-ворона. Плутоватый мужик. Рыжий и красный. За тридевять земель
Иллюстрация Е. Д. Поленовой к сказке «Лисичка-сестричка и волк», 1898
Художница тщательно воспроизводила бытовые детали — здесь изображена зимняя сельская сцена с избой, санями и заснеженным берёзовым лесом, переданная с большой достоверностью. Реалистичные пейзажи и этнографическая точность в обрисовке обстановки характерны для ранних «абрамцевских» иллюстраций Поленовой
Акцент на быте и этнографической достоверности
Иллюстрируя народные сказки, Поленова стремилась к максимально правдивому показу крестьянского быта, окружающей природы и материальной культуры. Работа над сказочными рисунками у неё шла рука об руку с этнографическими изысканиями: «между этими темами существует определённое родство», — отмечала она в письме, — и поэтому художница «привносила в сказки… всё то, что почерпнула из народного творчества». В её иллюстрациях крестьянская изба, утварь, одежда героев и пейзажный фон выписаны с вниманием к деталям, на основе натурных зарисовок. Это придаёт даже сказочным сценам ощущение достоверности и исторической глубины. Современники подчёркивали, что Поленова благодаря чистоте души и энтузиазму сумела приблизиться к мировосприятию древних мастеров, вдохнув в свои произведения подлинный дух народной культуры. В её лучших работах чудесное сказочное начало органично сочетается с живыми наблюдениями русского деревенского уклада.
Русская народная сказка «Сынко-Филипко», 1892
Мягкая цветовая палитра и декоративность
Как акварелистка, Поленова отличалась тонким чувством колорита. В ранних «абрамцевских» иллюстрациях она применяла сложные смешанные краски, близкие к естественным оттенкам природы — так, в пейзажах преобладают приглушённые зелёные и охристые тона, прозрачные голубые тени и мягкие переходы цвета. Такая «пространственная, мягкая манера» письма придавала сценам глубину и лиризм. Однако со временем стиль художницы эволюционировал в русле модерна: композиции становились более плоскостными и декоративными. Поленова постепенно отказывается от воздушной перспективы и мелкой моделировки формы, усиливая силуэтность изображений. Фигуры и объекты она начала обводить более чётким контуром и заполнять локальным ярким цветом, добиваясь эффекта витражной условности. Сама художница признавалась, что на её манеру книжной иллюстрации повлияли английские мастера, прежде всего Уолтер Крейн. Это влияние ощутимо в композиционной ритмике и стилизации образов её поздних работ.
Иллюстрация к русской народной сказке «Сынко-Филипко».
Иллюстрации И. Я. Билибина
Билибин как представитель «русского модерна»
В начале XX века Билибин сформировал уникальный художественный язык, сочетавший принципы европейского ар-нуво с возрождением национальных традиций. В противоположность большинству живописцев того времени, увлечённых импрессионистической манерой, Билибин уделял особое внимание точности рисунка и декоративной разработке деталей. Он методично совершенствовал технику акварельного рисунка, добиваясь «стальной линии» — безукоризненно ровного контура, проводимого рукой без поправок. Такая подчёркнутая графическая дисциплина и волевое мастерство позволили Билибину выработать легко узнаваемый стиль. В его работах сочетаются принципы стиля модерн (ар-нуво) — любовь к орнаментальной линии и плоскостным узорам — с глубокой опорой на древнерусское искусство. Это сделало Билибина крупнейшим мастером «русского модерна» в графике, чьи иллюстрации до сих пор считаются классикой «русского сказочного» стиля начала XX века
Характерные особенности «билибинского» стиля
Чёткий линейный контур. Одной из основных примет стиля Билибина является идеально выверенный контурный рисунок. Художник сначала прорабатывал композицию на бумаге, затем переводил её на ватман и только после этого колонковой кистью с обрезанным концом обводил весь рисунок тушью, добиваясь пружинисто-упругой, «проволочной» линии. Такая чёрная контурная линия отчётливо очерчивает каждое цветовое пятно в иллюстрации, разделяя плоскости цвета и придавая композиции графическую чёткость и выразительность. Сам Билибин называл свою филигранную линию «стальной» за её безукоризненную ровность и требовал от себя высочайшей точности, рисуя не более «пяти квадратных сантиметров в день» во избежание ошибок. Этот чистый и аккуратный контур стал фирменным признаком билибинских работ.
«Сказке о царе Салтане», 1904 г
«Сказке о царе Салтане», 1905 г
Декоративная «билибинская» рамка. Многие иллюстрации Билибин заключал в богато орнаментированные рамки, превращая всю страницу в единый декоративный ансамбль. Рамка у Билибина — не просто украшение, а важный композиционный приём, организующий пространство рисунка. Орнаментальный бордюр может быть геометрическим или растительным, часто отражает мотивы самой сказки. Например, Билибин нередко включал в рамку изображение лесных растений и грибов, если действие происходило в лесу. Подобная стилизованная рамка обрамляет сцену, задаёт ей настроение и связывает текст с изображением. В своих книгах Билибин продумывал всё оформление — шрифты, заставки, концовки, буквицы — благодаря чему детская книга превращалась им в художественно целостный организм. Каждая страница напоминала миниатюру старинной рукописи, где изображение и орнамент неразделимы.
Сказка «Василиса Прекрасная», 1899 г
Сказка «Василиса Прекрасная», 1899 г
Сказка «Сестрица Алёнушка и братец Иванушка», 1901 г
Иллюстрация из сказки «Сестрица Алёнушка и братец Иванушка» обрамлена характерным декоративным бордюром. В верхней части рамки — стилизованный узор в духе народной вышивки, по бокам — сказочные грибы и растительные узоры, обрамляющие сцену. Такой приём подчёркивает плоскостное решение композиции и погружает зрителя в атмосферу волшебной старины. Билибин довёл орнаментальное обрамление до совершенства, объединив изображение и украшение страницы в единый стиль. Это новаторское для своего времени решение стало одной из визитных карточек его творчества.
Влияние Билибина на сценографию и декоративное искусство начала XX века
Уже в начале 1900-х годов Билибин зарекомендовал себя как талантливый театральный художник. Он оформлял спектакли и оперы, перенося на сцену сказочные образы своих иллюстраций. Знаковым событием стало оформление Билибиным оперы Н. А. Римского-Корсакова «Золотой петушок» (по пушкинской сказке) — премьера прошла в 1909 году в частной Опере Зимина в Москве. Декорации и костюмы, созданные Билибиным для этого спектакля, поражали современников буйством красок и орнаментов: сцена превратилась в ожившую картинку старинной русской сказки. Художник использовал те же принципы, что и в книге, — плоскостные росписи, яркие узоры, стилизованные древнерусские костюмы — добиваясь эффекта «ожившей иллюстрации» на театральных подмостках. Успех «Золотого петушка» открыл новую страницу в сценографии. Впоследствии Билибин оформил ряд постановок, в том числе оперу «Сказка о царе Салтане» (в 1930-е годы) и другие спектакли, привнося в театральную декорацию свой неповторимый стиль. Его влияние на сценографию выразилось в распространении сказочно-ornamental направления: многие театральные художники начала XX века стали вдохновляться билибинскими приёмами, вводя народные орнаменты и стилизацию под лубок в оформление сцены.
Эскиз костюма к драме Лопе де Вега «Фуэнте Овехуна»
Эскиз костюма к опере Н. А. Римского-Корсакова «Золотой петушок»
Эскиз костюма к опере Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане»
Эскиз костюма «Молодец» для балетной сюиты «Русские пляски»
Эскиз декорации ко второму действию оперы Н. А. Римского-Корсакова «Золотой петушок», 1909
Эскиз декорации к мираклю Рютбефа «Действо о Теофиле». 1907
Иллюстрации Сергея Васильевича Малютина: народный стиль и образный язык
В кругу Абрамцевского кружка: от живописи к декоративному искусству
К переломным моментам в биографии Малютина относится знакомство с меценатом Саввой Мамонтовым и вхождение в его знаменитый Абрамцевский художественный кружок в конце 1880-х — начале 1890-х годов. Абрамцево, усадьба Мамонтова, было центром возрождения национальных традиций в искусстве: здесь работали Виктор Васнецов, Михаил Врубель, Илья Репин, Константин Коровин и другие мастера, увлекавшиеся русским фольклором и крестьянским искусством. Молодой Малютин впитал атмосферу творческих экспериментов и любви к старине, которая царила в этом кружке. В Абрамцеве ярко раскрылся его талант художника-декоратора: Малютин активно занялся прикладным искусством, стремясь, как и другие члены кружка, стереть грань между «высоким» искусством и народным бытом. Он разрабатывал эскизы мебели, утвари, вышивок, резьбы по дереву и сам расписывал созданные предметы, превращая каждый из них в часть большого сказочного ансамбля. Орнаменты Малютина не были простым копированием древностей — художник творчески переосмыслял мотивы народной вышивки и резьбы, фактически формируя визуальный код русского модерна на рубеже веков.
Первый набор Сергея Малютина
Именно в этой среде появился один из самых знаменитых плодов абрамцевского сотворчества — первая русская матрёшка. По распространённой версии, в Абрамцево привезли японскую деревянную куклу-неваляшку с вложенными фигурками; эта диковина вдохновила кружковцев на создание отечественного аналога. Эскиз первой разъёмной матрёшки выполнил Сергей Малютин — он изобразил круглоликую крестьянскую девушку в сарафане и платке, держащую чёрного петуха. Игрушка состояла из восьми вложенных друг в друга фигурок (старшая сестрица с петухом, несколько девушек и юношей, а последняя — спелёнутый младенец). Токарь Василий Звёздочкин выточил форму, а Малютин расписал куклы — так родилась матрёшка (первый набор хранится ныне в Музее игрушки в Сергиевом Посаде). Успех игрушки был колоссальным: уже в 1900 году матрёшка экспонировалась на Всемирной выставке в Париже, вызвав моду на «русский стиль» в Европе. Созданная Малютиным матрёшка стала идеальным символом «тёплого» народного декоративного стиля — искусства, в котором ощущалась преемственность со старинными крестьянскими игрушками и орнаментами.
Параллельно Малютин продолжал заниматься станковой живописью. Получив классическое образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (где учился у известных передвижников, таких как В. Маковский и И. Прянишников), он писал жанровые сцены из народной жизни, портреты и исторические полотна. Однако с конца 1890-х влияние абрамцевской среды побудило его обратиться к сказочным сюжетам.
«Руслан и Людмила», 1899 г
«Руслан и Людмила», 1899 г
Народность и юмористические мотивы
Неотъемлемой частью образного языка Малютина была народность — опора на мотивы и стилистику русского фольклора, лубочной картинки, крестьянского быта. Иллюстрации Малютина родственны его жанровой живописи: в них подчёркнута народность сказочных персонажей, крестьянские черты и речь даны даже царям и боярам, если этого требовал сюжет. При работе над книгами Малютин изучал народное творчество и детский рисунок, стремясь говорить с юным читателем на понятном ему визуальном языке. Так, в оформлении сборника русских сказок и песенок «Ай-ду-ду» (1899) он сознательно отталкивался от традиций народного лубка — использовал упрощённые, плоскостные изображения, раскрашенные в яркие чистые цвета, вводил орнаментальные рамки и элементы рукописного текста
Ай Ду-Ду! : русские народные сказки, песенки, прибаутки, побасенки, 1899 г
Ай Ду-Ду! : русские народные сказки, песенки, прибаутки, побасенки, 1899 г
Сказочные иллюстрации Малютина: от Пушкина до народных сказок
Главная страница творчества Малютина-графика — это, несомненно, книжные иллюстрации к сказкам. В конце 1890-х годов, по инициативе того же С. И. Мамонтова, Сергей Малютин был привлечён к созданию роскошных иллюстрированных изданий сказок Александра Пушкина и русских народных сказаний. Эти издания, приуроченные к 100-летию со дня рождения Пушкина, стали знаковыми для развития отечественной детской книги. В 1897–1898 годах Малютин выполнил цикл иллюстраций к пушкинской «Сказке о царе Салтане, о сыне его славном и могучем богатыре князе Гвидоне… и о прекрасной царевне Лебеди», изданной в 1898 году в типографии А. И. Мамонтова
«Сказка о царе Салтане», 1899 г
«Сказка о царе Салтане», 1899 г
Формирование русско-национального стиля в искусстве конца XIX — начала XX века
Древнерусское искусство
Обращение к наследию древней Руси стало отправной точкой формирования национального стиля. Художники тщательно изучали орнаментику древнерусских рукописей, икон и храмового убранства. Так, Иван Билибин, будущий ведущий мастер «русского стиля» в графике, увлекался старопечатными книгами и миниатюрами, глубоко исследовал старинные шрифты, заставки и инициалы. Билибин, оформляя книги, выписывал названия сказок вязью и разрабатывал декоративный шрифт на основе устава и полустава. Древнерусское искусство снабдило мастеров богатым репертуаром мотивов — от геральдических двуглавых орлов и византийских плетенок до узоров деревянной резьбы в старых теремах. Именно синтез традиций средневекового искусства с новыми формами лежит в основе русского стиля.
1 — фрагмент обложки программы «Бал-сказка», 1901 г. 2 — фрагмент обложки клавира оперы Н. А. Римского-Корсакова «Золотой петушок», Иван Яковлевич Билибин, 1908 г.
Северное деревянное зодчество
Особую роль в формировании орнаментального языка русского модерна сыграло обращение к архитектурным формам и декору Русского Севера. Деревянное зодчество севера — старинные избы, церкви и терема — привлекало художников своей самобытной орнаментикой. Резные наличники окон, кровельные причелины, столбики крылец — эти элементы народной архитектуры вдохновили новый декоративный стиль. Иван Билибин во время своих поездок по северным губерниям не только зарисовывал памятники, но и фотографировал их декоративные детали. Он отмечал главный принцип старого зодчества: «деталь никогда не должна заглушать целое» — и переносил этот принцип в книгу
«Сказка о царе Салтане», 1905 г
«Сказка о царе Салтане», 1905 г
В иллюстрациях Билибина все страничные картинки обрамлены орнаментальными рамками, словно деревенские окошки с резными наличниками. Сергей Малютин, выступавший еще и как архитектор, в начале XX века спроектировал сказочный терем (известный Дом Перцова в Москве) с майоликовыми панно и резьбой — пример того, как архитектурный декор в духе народных северных теремов перенесен в городскую среду. Таким образом, мотивы северного зодчества — деревянные узоры и силуэты — обогатили орнаментальную палитру русского стиля. Они придали композициям ощущение народной монументальности и связи с древнерусским жилищем.
«Теремок» в Талашкино, Сергей Малютин
Использование мотивов русской сказки в современном визуальном искусстве
В последние годы мотивы русской сказки проникли во все сферы визуальной культуры. Дизайнеры и художники обращаются к народной символике как к «знаковому языку», сочетая её с современными технологиями и эстетикой. Так, направление нео-фольклора не просто стилизует деревенское, но превращает народное в культурный манифест — подчёркивая локальность, ручную работу и независимость от центра
Kokosha Studio; Александра Георгиева
Эти тренды прослеживаются и в выставках: например, инсталляция «Я иду искать!» в Музее‑заповеднике «Царицыно» (июль 2025 — март 2026) превратила исторические подвалы в «царство русской сказки», где обряды перехода показаны через масштабные арт‑объекты
Фрагменты выставки «Я иду искать!»
Инсталляция из выставки «Я иду искать!»
фигуры на ступенях отражают мотивы перехода и стремление к сказочному. Инсталляция объединяет народные символы и современный арт
Театр и сценография
В театре и перформансе фольклорные сюжеты тоже получают новую жизнь. Эскизы декораций и костюмов становятся источником сюжетов и форм. Например, в театре НОВАТ (Новосибирск) оперу «Сказка о мёртвой царевне и о семи богатырях» поставили в стилистике Большой русской оперы с «живописными декорациями и историческими костюмами, в которых угадываются былинно-сказочные мотивы и отсылки к творчеству… Васнецова, Шишкина, Билибина». Аналогичные приёмы используются и в массовой культуре: на выставке «Жили-были: школа русской сказки» в ЦСИ «Винзавод». Такие подходы позволяют использовать фольклор как «безопасный» контекст для обсуждения актуальных тем — от кризисов до поиска идентичности
Опера «Сказка о мертвой царевне и о семи богатырях»
Опера «Сказка о мертвой царевне и о семи богатырях»
выставка «Жили-были: школа русской сказки» в ЦСИ «Винзавод»
Иллюстрация и графический дизайн
В книге и печатной графике мотивы сказок продолжают традицию, но получают современное прочтение. Так, художница Анастасия Панина в серии «Сказки» создала «сказочное пространство, выросшее из суеверий и языческих страхов», используя приглушенную палитру и растительный орнамент в духе русской иконописи. Она отмечает, что цвет должен быть «ручным, с потертостями и шероховатостями», а образы — иметь «повествовательный характер», подобно классической сказочной иллюстрации.
Анастасия Панина «Сказки»
Анастасия Панина «Сказки»
В графическом дизайне формально отходят от «шоколадно‑бирюзовых» глянцевых образов: популярен «новорусский стиль» с пиксельной вышивкой и геометризированными узорами
прием пиксельной вышивки
прием кириллицы и шрифтов
Геометризация и упрощение орнаментов
цвет и символика
Мода и предметный дизайн
В фэшн‑индустрии мотивы сказок проявляются через одежду и аксессуары. Появился тренд на неофольклор — не утопичные «платья доярки», а осмысленную стилизацию с уклоном в ремесла. Дизайнеры используют натуральные ткани, ручную вышивку и сложносоставные головные уборы. Ручные техники (вышивка, ткание, роспись) входят в капсульные коллекции — от люксовых до уличных брендов. В предметном дизайне («houseware») фольклор проявляется в керамике с рукописными узорами, резной мебели в форме сказочных птиц, деревянной игрушке и настольных играх на фольклорную тематику.
Kokosha Studio
Александра Георгиева
Сумка Wish Line
мастер ДПИ Кубани Евгений Борисович Козлов
Из «славянской» коллекции Татьяны Федотовой
Заключение
Сказочная иллюстрация тех лет — это не только художественный феномен, но и форма национального самосознания, через которую осмыслялись история, быт, традиции и символы. Орнаментальные мотивы древнерусского зодчества, народной вышивки, северных росписей и фольклорных образов стали источниками для создания выразительного, насыщенного и узнаваемого визуального мира. Этот художественный язык, соединяющий декоративность с повествовательностью, оказал влияние и на другие виды искусства — от театра до архитектуры. Современные художники и дизайнеры продолжают обращаться к русской сказке как к живому источнику образов. Тенденции нео-фольклора, цифровая адаптация орнаментов, переосмысление народных персонажей в новых медиа свидетельствуют о востребованности сказочного наследия в XXI веке. Русская сказка перестаёт быть лишь предметом ностальгии — она становится полем для экспериментов, способом выражения идентичности, средством коммуникации в визуальной культуре. Таким образом, визуальный язык русской сказки остаётся актуальным художественным ресурсом, в котором традиция и современность встречаются в новых, выразительных формах.
kid-book-museum.livejournal.com
iv-obdu.ru
dinasovkova.livejournal.com
